Humans as Ornaments

Over the Edge y Cheap Trick

2012-01-17T00:54:00.001+01:00

Revisando los numerosos archivos que ocupan espacio en mi disco duro me topé con esta “Over the Edge”. A diferencia de otras ocasiones, no tardé en recordar por qué había decidido hacerme con esta película: era una de las preferidas de Kurt Cobain.

La película arranca con una voz en off “Bienvenidos a Nueva Granada, la ciudad del mañana…Hoy”, a modo de presentación de lo que se supone es una población idílica. En contraposición a esta paz surge de la nada el estruendo guitarrero de Cheap Trick y la algarabía de un centro de recreo juvenil, lo cual provoca que olvidemos las solemnes palabras introductorias mientras una sensación de nerviosismo nos agita: tanto caos, tanta juventud… no puede deparar nada bueno.
Aspectos como la incomunicación, la soledad, la incertidumbre, la rabia ante situaciones injustas o la ilusión de las primeras relaciones sexuales han sido mostrados en innumerables ocasiones en las pantallas de los cines. Sin embargo, hay algo en ese exceso de nihilismo tan inocente que se desprende en esta fantasía homicida que hacen de ella un producto referencial, una de esas obras denominadas “de culto”, de la que podemos encontrar rastros en posteriores abrasiones adolescentes como “Kids” (Larry Clark, 1995) o “Gummo” (Harmony Korine, 1997).
Independientemente de la calidad que cada uno podamos percibir del film, resulta interesante pararse a saborear pequeños detalles como la actuación de un Matt Dillon debutante, que desde el primer momento desprende un aura magnética o la extraña presencia del personaje secundario Johnny, que con ese look de melena rubia y gafas chillonas parece un pequeño Kurt Cobain (¿casualidad?).
No obstante, el aspecto más llamativo para un fanático de la música como yo, resulta ser esa banda sonora en la que entre las maravillosas de Van Halen o los Ramones, destacan las múltiples apariciones de Cheap Trick.
Dándole vueltas a este 2011, me he dado cuenta de que precisamente la banda de Rockford ha sido una de las que más me han acompañado a lo largo del año, puesto que tuve que hacer los deberes de cara a su actuación en el Azkena. Siendo sinceros, el concierto me dejó un tanto frío debido a un setlist con demasiadas incógnitas, pero eso no va a cambiar mi opinión acerca de los excelentes temas que conforman su trilogía inicial. Curiosamente, en “Over the Edge” encontramos referencias de cada uno de estos discos.
Como ya hemos explicado, la película arranca con el juguetón “Speak Now or Forever Hold Your Peace” del disco “Cheap Trick” editado en 1977. El debut de la banda fue contemporáneo al estallido del Punk, género respecto al cual no se queda atrás en cuestión de energía, sensación reforzada por la producción cruda y tosca. Desde el principio, la banda pone sobre el tapete todas sus cartas y entrega grandes gemas de pop rockerizado mezclado con esa locura marca de la casa. Un punto de partida espectacular, en el que a mí siempre me ha encantado el tema “Taxman, Mr. Thief”, con ese ritmo arrastrado y la voz de Robin Zander haciendo maravillas hasta conducirnos al éxtasis final con esa demostración de fuerza.

El film continúa, y mientras vemos como dos chavaletes centran sus fechorías en un coche de policía, vuelve a aparecer la música de Cheap Trick. En concreto es “Hello There” lo que podemos escuchar es lo más agitado de su segundo disco “In Color”, también editado en 1977. Rick Nielsen y compañía entran al estudio acompañados por Tom Werman a los mandos de la producción y el resultado es un disco menos crudo, que aún conservando parte de la energía rockera destaca sobre todo por esas mágicas melodías que tan bien se puede apreciar y disfrutar en temas como “Southern Girls”, “Downed” o la célebre “I Want You To Want Me”.
La última aparición de la banda en el film (hay otro tema acreditado, pero no lo localicé) se trata del gran himno “Surrender”, perteneciente a su tercera obra “Heaven Tonight” (1978). Considerado por muchos su álbum de mayor alcance, en esta ocasión Tom Werman parece dar con la clave, y consigue dotar de profundidad a una producción que completa con detalles preciosistas las melodías y los guitarrazos.

A día de hoy resulta difícil hacerse una imagen real de la acogida que en su día tuvieron estos discos. ¿Será cierto que esta panda de freaks consiguió calar hondo entre los individuos mas enajenados de la juventud de finales de los setenta? Cheap Trick podrían pasar perfectamente como música de fondo en cualquier parrillada cowboy o incluso en esos típicos parques de caravanas ocupados típicamente por chusma subdesarrollada, pero sin embargo su influencia ha sido reconocida por artistas de la talla de Kurt Cobain, Black Francis o los hermanos McDonalds. Ello hace pensar en una sensibilidad y cualidades especiales y quizás tras esa fachada surrealista Cheap Trick lo que representen no sea otra cosa que la sofisticación del White Trash.

Black Metal III (Alda, Ash Borer)

2011-12-31T16:07:00.001+01:00

Este 2011 que acaba ha sido definitivamente el año de mi entrada en el Black Metal. Cierto es que ya lo había intentado antes, y que hace muchísimos años ya tuve alguna fase obsesiva con Cradle Of Filth… pero no es lo mismo.

Obviamente, no soy un caso único en el mundo, y parece que las nuevas propuestas del género han conseguido calar en ambientes a priori poco propicios para ello. De esta forma, podemos ver como portales web como Pitchfork recogen varias bandas black en su listado de lo mejor del año, o como un festival tan típicamente moderno como es el Primavera Sound ha abierto sus puertas al género, dejando a más de uno boquiabierto. El máximo exponente de esta aceptación global es esa especie de ensayo/coartada psicológica sobre el que se disertó en las páginas del New York Times hace ya un tiempo.

Son muchas las horas que le he dedicado este año al Black Metal, bien sea leyendo artículos y libros, viendo documentales y clips o, por supuesto, escuchando mucha música. En esta tercera entrada dedicada al género voy a hablar de dos discos editados en este 2011, y que me han absorbido la mollera totalmente:

Alda – Tahoma: Este “Tahoma”, editado a principios de 2011, es una forma perfecta para introducirse en el últimamente tan celebrado Cascadian Black Metal. Con una profusión de melodías y ambientes acústicos/folkies poco frecuentes en el género, esta banda oriunda de Tacoma encuentra su inspiración en las viejas bandas escandinavas como Ulver, Darkthrone ó Burzum y sobre todo en ese maravilloso “The Mantle” de Agalloch, dando lugar a un artefacto musical en el que son capaces de transmitir esas inquietudes suyas por aspectos como la naturaleza, la dificultad y la soledad de la vida en las grandes ciudades, la búsqueda de la comunión entre personas, etc (muy recomendable al respecto su entrevista en cvltnation).

Es tal la evocación de la naturaleza que me provoca este álbum que no puedo dejar de recomendaros la experiencia de dar un largo paseo por cualquier entorno natural que tengáis a mano con esto enchufado en los cascos,… pura abstracción y belleza.

Hasta ahora, la única edición que se le conoce al disco es en casete, formato que parece estar tomando fuerza desde el underground. No obstante, el ripeo que he podido obtener tiene calidad y no olvidemos que estamos hablando de Black Metal, no nos vamos a poner demasiado exigentes con estas cosas.

Ash Borer – Ash Borer: El Barrenador verde esmeralda (Agrilus planipennis, Ash Borer en inglés), es un escarabajo nativo de Asia. En Junio del 2002, se detectaron en tierras estadounidenses los primeros especímenes de esta especie. Se sospecha que sobrevivieron a un viaje transoceánico, dentro de unos conteiners. Las larvas del Barrenador se instalan en la corteza de los fresnos, desde donde comienzan a horadar y bloquean la capacidad de los mismos para proveerse de alimento y agua. A día de hoy, se estima que entre 50 y 100 millones de fresnos han sido víctimas de esta devastadora plaga. Como podéis ver, Ash Borer también tienen la naturaleza presente, pero no cabe duda que de un modo menos evocador.

El origen de esta banda data del año 2008, momento en el cual este este grupo de oriundos de Arcata, California, decidieron poner en marcha su maquinaria de destrucción. Tras una demo editada en 2009, es a principios de este 2011 cuando se presenta el debut homónimo de la banda (de nuevo, disponible en edición casete), que les ha supuesto recibir todo tipo de parabienes y críticas positivas.

Máximos exponentes del USBM, ese nuevo Black Metal que se está fraguando en los Estados Unidos, este disco está conformado por tres largos temas repletos de rabia, suciedad y angustia, que aún presentando las típicas atmósferas envolventes que podemos observar en tantas otras bandas (Wolves In The Throne Room ó los mismo Alda), parece querer evolucionar hacia una fusión del Black con los aspectos mas rabiosos y contundentes de géneros como el Hardcore y derivados.

Pocas demostraciones de fuego y caos han llegado a ser tan efectivas en este 2011, totalmente recomendado.

El cine revisando la segunda guerra mundial (I)

2011-12-26T22:19:00.001+01:00

Durante los años de la segunda guerra mundial, con el auge del Nacional socialismo en Alemania y con una gran cantidad de dirigentes dementes (Hirohito, Harry Truman, Stalin, …) en todo el mundo, la oscuridad y la maldad humana más descarnada cernió sus garras sobre el destino de las gentes.

Independientemente de lo ominoso de este periodo histórico, la verdad es que tal cantidad de horror resulta fascinante, y a raíz de una serie de documentales acerca de la campaña del Pacífico (Pearl Harbor, las bombas atómicas y los submarinos I-400) de nuevo se me ha despertado la curiosidad acerca del tema.

Es por ello que últimamente me estoy dedicando a ver unas cuantas películas relacionadas con la Segunda Guerra Mundial que creo resultan interesantes, en menor o mayor medida.

Good: Un impecable Viggo Mortensen realiza el papel de profesor universitario que se ve “obligado” a colaborar con el Tercer Reich debido a un texto que escribió hace años, en el que se posiciona favorable a la eutanasia. Este punto entusiasma al aparato ideológico de Hitler y ven en él una coartada intelectual perfecta para sus posteriores aberraciones en forma de asesinatos a personas con deficiencias y enfermedades terminales.

Algo que hay que admitir de los nazis es su preocupación por todo tipo de detalles, sobre todo en aspectos propagandísticos. No obstante, me resultó llamativo el hecho de que dicha propaganda también se difundiese mediante textos de alta capacidad intelectual, no limitándose a los pequeños, vacíos y fácilmente jaleables mensajes a los que nos tienen acostumbrados los políticos a día de hoy.

Junto con esta reflexión, el argumento también destaca por presentar la historia de un hombre “bueno”, que sin quererlo, se ve seducido y/o arrastrado hacia el nacismo. El viejo dilema: Beneficiarse o no de las oportunidades cuando están a tu alcance, aunque ello suponga tener que ponerse una venda en los ojos para no tener que ver que para que uno pueda obtener un beneficio, otros tienen que sufrir.

Si bien es cierto que el punto de partida de la película me resultó interesante, cierta falta de ritmo y el excesivo desarrollo de historias insustanciales no me permiten decir que “Good” sea un gran film.

Valkiria: El atentado más celebre que se intentó realizar contra la vida del Führer tuvo lugar el 20 de Julio de 1944. Miembros del ejercito alemán colocaron una bomba en el cuartel militar Wolfsschanze (La Guarida del Lobo) mientras éste se encontraba reunido con sus generales. A pesar de que el artefacto llegó a estallar, no consiguió herir gravemente a Hitler.

Inspirada en esta historia, en “Valkiria” asistimos a las descripción de todos los recovecos de un plan ideado desde la resistencia con la finalidad de derrocar al nacismo, apoyándose en la movilización del propio ejercito de reserva alemán. Dicho plan fue diseñado principalmente por el Coronel Claus von Stauffenberg, aquí brillantemente interpretado por un Tom Cruise en estado de gracia, que se reafirma como un gran talento a la hora de interpretar a tipos fríos de maldad latente (como en “Collateral”).

Película totalmente recomendable, que además de ser un ejercicio de cine entretenido y vibrante, supone una gran oportunidad para conocer aspectos históricos relevantes sobre la segunda guerra mundial, y sobre todo, presenta a un grupo de personas, que en medio de la locura Nazi y desde posiciones de cierta comodidad, decidieron poner sus vidas en peligro a fin de intentar mejorar el mundo infecto que les rodeaba.

Arenna - Gijón - 7 de Diciembre 2011 (Miércoles)

2011-12-08T19:58:00.001+01:00

Hace unos cuantos meses, a principios de este 2011, Arenna provocaron un fuerte impacto en la escena rock nacional, destapando el tarro de las esencias con ese pedazo de desierto brumoso y polvoriento enjaulado entre los surcos de "Beats Of Olarizu", ópera prima de la banda. Ha ido pasando el tiempo, y las virtudes de tan magna obra han ido pasando de boca en boca, hasta llegar a todos los fanáticos del stoner que campan por la península ibérica e incluso más allá.

Por fin, tras una primera intentona fallida (su concierto programado para la Semana Negra 2011 fue suspendido), este miércoles víspera del día de la “Inmaculada Concepción”, Arenna se presentaron ante los parroquianos gijoneses para entregarles una parte de esa electricidad polvorienta que con tan mala idea le han estado robando a las llanuras de Olarizu.

Con gran parte del público aún fuera de la sala descansando tras la actuación de los locales Black Horde, a las diez y cuarto de la noche, megáfono en ristre, Txus dio por iniciada la ceremonia cuando las primeras notas de “Morning Light” empezaban a flotar el aire.

El stoner psicodélico de los victorianos pronto comenzó a hacer crujir las tablas de madera de la “pista de baile” y poco a poco la sala se convirtió en una pulsación de cabezas oscilantes y manos cornudas.

Si no recuerdo mal, uno tras otro fueron cayendo los maravillosos temas de su debut, acompañados de algún otro desconocido para mí, y si bien los momentos de acción directa provocaron excitación y adrenalina, sin duda alguna la psicodelia contenida en temas como “Eclipse” cargaron el recinto con un aura especial, un vibrante incienso que terminó por arrastrarnos a todos con la poderosa y alargada forma de “Metamorphosis in Ic [0,9168 gcm3]”.

Cuando los campanarios nos recordaban a todos la llegada de un nuevo día, Arenna habían finalizado su actuación y dejando una impresión estupenda en todos los presentes y demostraron que lo suyo es algo a tener muy en cuenta.

Hasta la próxima.

FIC Gijón 2011 (IV)

2011-12-06T09:12:00.001+01:00

El sábado ya estábamos bastante cansados de tanto maratón cinematográfico, pero sacando fuerzas de flaqueza volvimos a acudir al Centro de San Agustín. Para cerrar esta serie de entradas dedicadas al Festival de Cine del 2011 paso a resumir lo visto en esta última jornada:

13 – Michael: Desagradable, angustiosa, oscura, lenta, claustrofóbica, sin esperanza, fría… todos estos adjetivos y muchos más para la experiencia más perturbadora que he pasado en un cine desde hace mucho tiempo.

Markus Schleinzer, hombre vinculado a ese maestro de la crispación que es Michael Haneke (y de cuyo estilo con el terror psicológico a tomado buena nota), presenta en esta su opera prima la vida de un pedófilo. Así de simple.

Durante el tiempo que dura la película vemos pasar ante nuestros ojos imágenes del día a día de una persona aparentemente normal, que a todo el mundo le pueden resultar familiares (trabajo, relaciones sociales, familia) pero que bajo ese manto de normalidad esconde a una persona que con una frialdad devastadora es capaz de mantener recluido en su casa a un niño con el propósito de aprovecharse sexualmente de él.

Una hora y media larga de cine costumbrista de la demencia, que provocará repulsa, pero que se me antoja un ejercicio de valentía, que seamos serios, es más sincero que la mayoría de las películas de terror que podamos haber visto.

Lugar: Sala 3 Fecha: Sábado 26 de Noviembre 17:00 Sección: Sección Oficial.

14 – Terri: Como todos los años, tratamos de buscar una película divertida para despedirnos de las salas del Festival, del estilo a “Wristcutters: A Love Story” o “Eagle vs Shark” que tan buen sabor de boca nos dejaron en su momento. Aunque a mí, personalmente, la película me ha gustado, no entiendo como alguien puede decir que esto es una comedia.

La adolescencia y el paso por el instituto han supuesto una gran inspiración para la confección de películas: Desde esas delicias ochenteras del estilo de “El club de los cinco” ó “Aquel excitante curso”, hasta las locuras de las sagas de “American Pie” ó “Porkys”, pasando por la reciente y reputada “Supersalidos”. “Terri” se mueve dentro de esta tradición cinematográfica, pero con un carácter más realista y mucho menos dado a la hilaridad.

Desde el punto de vista de un joven con una situación familiar compleja y una presencia física que le hace ser un blanco fácil de las burlas, vemos desfilar las típicas situaciones de instituto (ó High School). Además de vivir inmerso en un pequeño caos, Terri, el protagonista, es una persona con un gran corazón. Esta bondad le hace sentir la necesidad de ayudar a todo tipo de inadaptados y provoca que le resulte difícil entender por qué la gente no es buena todo el tiempo (maravillosa intervención en este sentido del personaje interpretado por John C. Reilly).

Como, al fin y al cabo, la vida rara vez resulta ser una comedia, la película me sorprendió y me resultó interesante.

Lugar: Sala 3 Fecha: Sábado 26 de Noviembre 22:30 Sección: Sección Oficial.

FIC Gijón 2011 (III)

2011-11-30T20:25:00.001+01:00

Con todo no se puede, así que aprovechamos para descansar el Martes, retomando el Miércoles nuestras visitas al cine. Para no forzar demasiado, decidimos ver una sola película los días de trabajo. Por lo tanto, hay que tratar de afinar… y vaya si lo hicimos.

9 - Miss Bala: En Diciembre del año 2008, la modelo Laura Zuñiga, ganadora del certamen “Nuestra Belleza Sinaloa 2008” fue detenida en Zapopan, Jalisco, junto con otras siete personas en posesión de armas y miles de dólares. Tras un año bajo arresto, Laura quedó libre, puesto que no se presentó ninguna prueba capaz de inculparla de delito alguno.

La que ha sido mi película preferida de todas las vistas este año en el festival, parte de esta premisa para mostrar una historia de narcotráfico y de cómo éste se ha extendido y enraizado en la sociedad mejicana.

El director Gerardo Naranjo presenta un film denso, que recuerda la oscuridad de las películas de David Lynch en los momentos de confusión. De hecho, el narco protagonista, fantásticamente interpretado por Noe Hernandez, me recordó constantemente a ese emblemático malvado que es Frank Booth (Dennis Hopper) de “Terciopelo Azul”.

Con momentos visuales espectaculares (las locas escenas del concurso de belleza, los momentos de acción filmadas con una energía similar a Michael Mann, esos trazos de crueldad del narco Lino Valdez,… ), el ritmo lento y confuso del guión me resultó hipnotizante y terminé totalmente embelesado por esta nueva muestra de la calidad del cine mejicano actual. Totalmente recomendable.

Lugar: Sala 4 Fecha: Miércoles 23 de Noviembre 22:15 Sección: Géneros mutantes.

10 - Walk Away Renée: Tras el exitoso paso de “Tarnation” por el festival gijonés, volvía su director Jonathan Caouette a presentarnos lo que podría considerarse una segunda parte de aquél film.

He de admitir que “Tarnation” me dejó muy buen sabor de boca en su momento, pero a duras penas recuerdo el film. Sin embargo, lo que es seguro es que mientras aquella abarcaba unos 20 años de la vida de Caouette, ésta se centra en la relación que el director ha tenido principalmente con su madre y con la enfermedad de ella en esta última década.

Describir con palabras las características del film resulta complejo, puesto que tan rápido nos vemos envueltos en una road movie desquiciada, como pasamos a ser testigos de un collage de imágenes de archivo psicóticas, o somos testigos de escenas de un alto grado de intimidad, que representan algo así como el reverso trascendente de la moderna telerrealidad.

No me cabe duda de que este tipo de films pueden resultar aburridos por momentos, e incluso corren el riesgo de rayar en al pretenciosidad, pero he de admitir que terminé la proyección francamente emocionado y participando en la ovación generalizada.

P.D. 1: ¿Soy el único al que Caouette le recuerda a Antony Hegarty ?

P.D. 2: En algunas escenas Caouette viste una camiseta de Daniel Johnston. Esta película guarda bastantes similitudes con el brillante documental “The Devil and Daniel Johnston” dedicado a la vida del cantante.

Lugar: Jovellanos Fecha: Jueves 24 de Noviembre 22:30 Sección: Sección oficial.

11 - Punk’s Not Dead: Nos ponemos exóticos y empezamos el Viernes viendo una película macedonia. Eso sí, mi compañera y yo nos las apañamos para llegar justos de tiempo a la sala y nos tenemos que sentar demasiado cerca de la pantalla. Cierta sensación de mareo me acompañó durante toda la proyección.

Ser un rockero cuarentón es una cuestión delicada. El rock o el punk solían ser músicas vinculadas a la rebeldía y la juventud. Aunque últimamente los jóvenes parecen haber decidido dejarse llevar por la vacuidad musical, es difícil envejecer llevando un estilo de vida rockero sin caer en el ridículo. Eso lo sabemos aquí, y por lo visto, también lo saben en Macedonia.

“Punk’s Not Dead” presenta la historia de un viejo grupo punk que es contratado para volver a tocar después de muchos años. Cada miembro de la banda tiene una vida a cada cuál más desastrosa y si por si fuera poco, este último concierto parece que se va a llevar por delante la reputación de la banda. Son tiempos difíciles para la industria discográfica (en Macedonia no deben tener SGAE), hay que conseguir dinero como sea, aunque ello suponga meterse de lleno en conflictos sociales y religiosos.

Película entretenida, que por el mero hecho de retratar un lugar tan lejano y desconocido como Macedonia, resulta atrayente.

Lugar: Sala 3 Fecha: Viernes 25 de Noviembre 20:00 Sección: Rellumes.

12 - The Stoker (Kochegar): El ruso Alexey Balabanov volvía al Festival tras ser premiado como mejor director hace 4 años por “Cargo 200” y ser motivo de una retrospectiva hace un par de años, durante la cuál aproveché para ver la película que le catapultó al éxito, “Brat”. Recuerdo aquella película porque nunca antes se me había roto una cinta durante la proyección, y tardamos bastante en poder continuar.

A parte de los datos meramente cinematográficos, Balabanov también es célebre en Gijón por protagonizar un extraño capítulo etílico: En una de sus visitas pretéritas, el director ruso quiso bañarse a horas intempestivas en las aguas de San Lorenzo y tuvo que venir la policía a convencerle de que saliese del mar.

“The Stoker” es otro de esos films marca de la casa, en los que se retrata la Rusia Negra, con una historia plagada de mafiosos, tráfico de influencias, asesinatos, sexo y una macabra forma de hacer desaparecer cadáveres. Esta historia tarantinesca tarda en arrancar, pero de nuevo nos encontramos ante un film que tiene un gran aliado en el exotismo de la puesta en escena, lo cuál provoca que termine entreteniendo bastante.

Capítulo aparte merece la banda sonora del film, una especie de música tradicional rusa con bases electrónicas omnipresente en toda la proyección y capaz de taladrar el cerebro. Juro haber visto a gente agitándose al ritmo de este mantra musical lamentable, incluso dar palmas.

Lugar: Sala 2 Fecha: Viernes 25 de Noviembre 22:45 Sección: Rellumes.

FIC Gijón 2011 (II)

2011-11-25T19:12:00.001+01:00

Continuemos con mis aventuras en el Festival de cine:

5 - Nicostratos le pélican (A Greek Summer): A pesar de la bonita tarde que hizo el Domingo, entre que los pelícanos parecen ser animales simpáticos y que me llamó la atención la presencia de Kusturika como actor, me animé a ir solo al cine para ver “Nicostratos le pélican”.

Muchas familias en las salas aprovechaban la presencia de la tradicional sección“Enfants terribles” para llevar a sus hijos al cine y divertirse juntos con este pequeño film, que con pocas pretensiones y algún que otro momento demasiado ñoño, consigue mantener al espectador entretenido y con una sonrisa en la cara.

Destacables actuaciones del reparto, con un Kusturika bordando el papel de viejo arisco, y esos maravillosos entornos de la isla de Milos. Poco más que decir.

Lugar: Sala 2 Fecha: Domingo 20 de Noviembre 16:00 Sección: Enfants Terribles.

6 – Avé: Según su director, el debutante (al menos, en películas de ficción) Konstantin Bojanov, esta película surge a partir de un par de hechos autobiográficos. Uno de ellos fue el suicidio cometido por uno de sus mejores amigos en sus años en la escuela de arte tras ir a ver juntos la película “Easy Rider”. Supongo que construir una Road Movie a partir de esta premisa tiene cierto carácter freudiano.

Con “Avé” nos encontramos ante una estupenda película de carretera, en la que una joven pareja de autoestopistas desconocidos se encuentran y deciden (o mas bien, se ven obligados) a compartir el camino, proceso durante el cual se van entregando sus secretos e intimidades mutuamente.

La tristeza, el desencanto y las mentiras van apareciendo en las diversas paradas de este viaje iniciático por las carreteras y los trenes de Bulgaria. Este viaje por parte de los aspectos desagradables de la vida, que alcanza su máximo punto de crudeza en esa especie de funeral casero (gran Bruno S.), termina por hacer brotar un amor de conveniencia y compasión al que, como no podía ser de otra manera, las circunstancias adversas de la vida también termina por cercenar.

Aunque un tanto lenta por momentos, la intensidad y la sobriedad son las dos grandes características de film que deja poso en el espectador. De nuevo nos encontramos ante un par de buenas actuaciones de actores muy jóvenes y desconocidos.

Lugar: Sala 1 Fecha: Domingo 20 de Noviembre 19:45 Sección: Rellumes.

7 - Dark Horse: El largo Domingo de cine terminaba en el teatro Jovellanos con la última locura de Todd Solondz. La fama que tuvo “Happiness” en su momento ya me puso sobre la pista de este entrañable freak cinematográfico, del que además tengo vistos muchos films gracias al ciclo que le dedicaron a su filmografía en este Festival en el lejano 2005.

Solondz parece haber iniciado el camino hacia la “normalidad” con este film, que aún presentando una historia incómoda poblada de freaks, queda bastante lejos de los niveles de transgresión presentes en anteriores films.

Apuntando nuevamente al corazón de la sociedad occidental, asistimos a una historia de amor confuso, familias disfuncionales, enajenadas alucinaciones y situaciones cotidianas que provocan reacciones extraordinarias, todo ello repleto de momentos de ese humor desviado marca de la casa.

Lugar: Jovellanos Fecha: Domingo 20 de Noviembre 22: 30 Sección: Sección oficial.

8 - The Future: Antes de entrar al cine me habían advertido que esta película era un truño. También me habían hablado maravillas de su directora, Miranda July y de su película “Tu, yo y todos los demás”.

Me presenté en los Cines Centro con la mosca detrás de la oreja, pero aún mantenía la esperanza de ver un buen film. Al fin y al cabo, un gato parecía tener cierta importancia dentro del argumento, y a mí me encantan los gatos. Lo que yo no podía saber es que se trataba de un gato metafórico, que nunca aparecería en la pantalla (esas patas de trapo no eran de un gato) y que encima hablaba con voz en Off.

Los problemas de la vida en pareja y las consecuencias que la vida moderna tienen sobre ella son el punto de partida de esta película. Con la idea de desatascar la triste rutina de sus vidas, la joven pareja de protagonistas decide adoptar un gato, hecho el cuál desencadenará una serie de comportamientos ciertamente hieráticos, que terminaran por estrangular el poco amor que les quedaba (y en consecuencia, provocaran la muerte del gato metafórico).

Con un estilo de realismo mágico que puede gustar más o menos, pero con un ritmo demasiado lento, el film se me hizo un poco pesado y quizás un tanto pretencioso.

A todo ello, hay que añadir una vieja reivindicación. Todos los años me zampo alguna proyección con un calor infernal en la sala. Es una pena no tener cuidado con estos detalles, sobre todo teniendo en cuenta que es un problema se soluciona pulsando un botón.

Lugar: Sala 4 Fecha: Lunes 21 de Noviembre 22: 15 Sección: Sección oficial.

FIC Gijón 2011 (I)

2011-11-23T00:24:00.001+01:00

Nueva edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, y como en ocasiones pretéritas, atracón de visitas al cine.

El festival es una ocasión ideal para recuperar la afición por visitar el cine, dado que en los tiempos que corren cada día resulta un lujo mayor ir a las salas asturianas con los precios que se barajan. Por no hablar de que el nivel medio de las películas resulta bastante más interesante que lo expuesto en la cartelera. Normalmente, el primer fin de semana de Festival es el que más actividad suele traerme, y ya he visto unas cuantas películas:

1 – Rubber: En el resumen que se presentaba en el libreto del festival, se hablaba de una película protagonizada por una rueda. Eso sonaba lo suficientemente extraño como para hacer un esfuerzo en ver este film.

Enmarcada en una nueva sección dentro del festival, “Géneros mutantes”, en la que se trata de dar una visión de cómo se perciben en la actualidad los géneros cinematográficos tradicionales, en esta ocasión nos encontramos ante una vuelta de tuerca del tradicional género de terror y ante un divertido y gamberro ejercicio de “cine dentro del cine”.

Como fan del slaser ochentero y demás subgéneros de casquería y risa, el film me ha resultado la mar de entretenido y audaz. Al fin y al cabo, no debe ser sencillo conseguir que un ente inanimado llegue a dar tanto de sí, estoy seguro de que todos conocemos a personas más insustanciales que esta rueda.

El director de esta película es Quentin Dupieux, cuyo nombre seguramente os diga tan poco como a mi. Sin embargo, su alias musical quizás os suenen un poco más, “Mr. Oizo”, y lo recordéis de aquella rayada que nos martirizo a finales del siglo pasado, Fleat Beat, donde ya se podía percibir el gusto por lo inanimado.

Lugar: Cines Centro Sala 5 Fecha: Viernes 18 de Noviembre 20:30 Sección: Géneros mutantes.

2 - Road to Nowhere:

A través de una crítica aparecida en el Ruta 66 de un disco homenaje/tributo a la película “Carretera asfaltada en dos direcciones” llegó a mis oídos el nombre de Monte Hellman por primera vez.

Aquél disco nunca lo he podido escuchar y no será por no haberlo intentado. Sin embargo, hace 7 años, dentro del ciclo “Dentro y fuera de Hollywood” pude disfrutar de la película, en la que creo fue mi primera visita al festival.

Ha pasado el tiempo y al parecer, el directo de aquel mítico film que se mantiene a a la sombra de ese gigante que es “Easy Rider”, ha vuelto a la dirección cinematográfica tras permanecer bastante desaparecido en los últimos 20 años.

Ponía la crítica algo así como “Ecos de David Lynch”... y ciertamente, el argumento general de la película me recordó muchísimo a “INLAND EMPIRE”, con ese meta cine laberíntico, en el que las diversas capas de la acción (por decirlo de alguna manera) se van confundiendo, provocando una sensación de caos y dando lugar a múltiples interpretaciones de la trama.

Incluso cuando es el propio Lynch el que propone estos juegos, las películas me resultan un tanto áridas, así que en este caso salí de la sala un tanto confundido y con un alto grado de sopor. No quiero decir que esta sea una mala película, pero mejor haberla visto en otras circunstancias y preparado de antemano.

Lugar: Cines Centro Sala 5 Fecha: Viernes 18 de Noviembre 22:30 Sección: Géneros mutantes.

3 - Workingman’s Death:

Se encendían las luces de la sala y un par de compañeros de trabajo se encontraban y rajaban un poco de sus respectivas tareas. Acabábamos de ver Workingman’s Death y aquella conversación ocasional y rutinaria me dejo un tanto contrariado.

“No se puede comer ocho horas, ni beber ocho horas diarias, ni hacer el amor ocho horas... lo único que se puede hacer durante ocho horas es trabajar. Y esa es la razón de que el hombre se haga tan desdichado e infeliz a sí mismo y a todos los demás.” Con esta cita de William Faulkner comenzaba este esplendido documental que nos muestra durante varios capítulos independientes una serie de trabajos inhumanos desarrollados en múltiples puntos del mundo.

Con un estilo ágil y capaz de sobrecoger el corazón del espectador con la crudeza de esas imágenes cotidianas que se presentan al ritmo de una magnífica música de John Zorn, la película logra arrastrarnos hacia la reflexión: ¿En qué tipo de mundo las personas se ven obligadas a realizar semejantes trabajos? ¿Cómo hemos llegado al punto de necesitar un trabajo para sobrevivir? Sobre las diferencias en el mundo es mejor ni pararse a pensar, para no sufrir ataques en el corazón de nuestras consciencias. Viendo esto, ¿cómo se puede decir que estamos en crisis?.

Lugar: Cines Centro Sala 4 Fecha: Sábado 19 de Noviembre 17:00 Sección: Retrospectiva Michael Glawogger.

4 - Attack the Block: Al parecer, en un corto espacio de tiempo esta película se está haciendo importante, y ya se le está colocando la etiqueta “de culto”. Esta historia que mezcla extraterrestres con adolescentes (o mas bien niños) conflictivos y ciertos aspectos de denuncia social, comprime en sus escasos 88 minutos una gran cantidad de situaciones trepidantes y/ó momentos cómicos, que aseguran pasar un buen rato.

Dejando un espacio menor para la comedia, pero siguiendo la estela de los trabajos previos de su director Joe Cornish (“Zombies Party” ó “Arma Fatal”), este entretenido film me hizo pasar un buen rato (a pesar de tener a la persona con la cabeza más grande del mundo sentada delante de mí) y resulta totalmente recomendable para fanáticos de esas películas ochenteras del estilo de “Los Goonies” o series actuales como pueden ser “The Misfits” o “Heroes”.

Lugar: Cines Centro Sala 4 Fecha: Sábado 19 de Noviembre 19:45 Sección: Esbilla.

Begotten rocks: Antichrist Superstar

2011-11-05T10:39:00.001+01:00

Llegué hasta esta película hará un año. Se mantuvo en mis discos duros y lápices de memoria todo este tiempo. Intenté acabar de verla varias veces, pero no ha sido hasta hace unos días que por fin he llegado al final.

Aunque es difícil definir una película como “Begotten”, la definición más común habla de cine experimental cercano al generó de terror. Su argumento, de forma global, presenta una disquisición acerca de la naturaleza de la vida y su crueldad, en la que a través de varios capítulos que muestran la muerte de un dios, la belleza de una madre naturaleza engendrada a manos de dicho dios muerto, y el dolor y el calvario que experimenta el hijo de ambos en un mundo terrenal que nos recibe con sufrimiento y nos despide con la muerte.

Durante 4 largos años, el director E. Elias Merhige confeccionó esta suerte de podre pesadilla visual, cargada de imágenes distorsionadas y crueles, que haciendo uso de recursos como la sobre (o infra) saturación del blanco y negro, la degeneración de la fotografía, la utilización de continuos sonidos naturales mas o menos desagradables, o incluso ese trabajo actoral basado en continuas convulsiones, termina por provocar en el espectador estupor y la sensación de estar ante un mensaje visceral recubierto de un asco bello.

El carácter experimental, junto con la crudeza e intensidad de lo que se muestra en “Begotten”, han hecho que el film, desde su fecha de su estreno (30 de Abril de 1990 en el marco del Festival de Cine de San Francisco), se haya convertido en una obra de culto, a menudo comparada con otras rayadas épicas como “Eraserhead” o “Tetsuo”.

Por si fuera poco lo dicho hasta ahora, este film además depara una sorpresa en forma de conexión rockera. Mientras veía la película, algo en ese estilo tan particular me resultaba familiar, ¿cómo podía ser posible? Hasta que di con la tecla y recordé la portada interior del “Antichrist Superstar” de Marilyn Manson. Tras un par de búsquedas en internet, mis sospechas se confirmaron.

Durante la época en la que se grabó el disco, parece ser que Mr. Manson pasó un periodo de obsesión con el film, visionándolo constantemente e influyendo a múltiples niveles en el resultado final.

A parte de las conexión mas evidente, que son esos videoclips que veremos mas adelante, por internet podemos encontrar todo tipo de rumores que apuntan a una influencia argumental (ciertos aspectos de la temática global del disco son similares al argumento de “Begotten” (el nacimiento, el sufrimiento, etc)) o estética, según la cual, el arte del disco, llevado a cabo por un P. R. Brown primerizo, estaría considerablemente inspirado en la película a petición del propio Brian Warner. Incluso existen teorías que apuntan a que el disco entero es una especie de banda sonora del film. Aquí podéis encontrar un montaje realizado con la película y la música del disco de fondo.

Los videoclips de Merhige para Marilyn Manson

El primero de ellos fue “Cryptorchid”, tercer single del disco. En el mismo podemos ver un montón de planos confusos relacionados con la letra del tema, junto con imágenes del propio Manson e incluso insertos extraídos directamente de la película. Todo el video está rodado con ese estilo en blanco y negro tan peculiar.

El segundo de los videoclips dirigidos por E. Elias, resulta un poco más polémico y misterioso. Filmado para la canción “Antichrist Superstar”, fue estrenado en el festival de cine de San Francisco. Después de esta proyección, el video se mantiene prácticamente inédito (se habla de alguna emisión puntual en MTV) hasta el año 2010, momento en el que se filtra en Internet. A día de hoy nadie ha explicado por qué el video permaneció tanto tiempo apartado, aunque se apunta a un exceso en la estética fascista del mismo (se muestran imágenes de ejércitos y conflictos bélicos, junto con la representación del número del altar que siempre acompañó la representación del tema en directo) como principal causa.

Sea como fuere, en esta ocasión Merhige realiza un trabajo más profundo, haciendo un menor uso de imágenes “de archivo” e ideando un montaje visual entorno al concepto de la canción, pero siempre bajo los preceptos estéticos de “Begotten”.

Resulta interesante ver como en aquellos años Marilyn Manson se supo rodear de un equipo de lujo (la producción de Trent Reznor, esos videoclips de Floria Sigismondi (The Beautiful People y Tourniquet), el trabajo con Merhige e incluso la calidad del resto de componentes de la banda), que ayudó sobremanera a potenciar sus ideas. Lejos quedan aquellos días, la actualidad de Mr. Manson rara vez presenta otra cosa que no sea decadencia y desazón para sus seguidores.

Black Metal II (Wolves in the throne room, Nachtmystium)

2011-10-30T21:18:00.001+01:00

Oscuridad, soledad, rabia, tenebrosos bosques de profunda frondosidad, enajenaciones post-religiosas, paganismo, rock and roll, … aquí está la segunda entrega de mis andanzas por el Black Metal, con otro par de discos del género que le han hecho tilín a mi oscuro corazón.

Para empezar, es el momento de hablar del reciente “Celestial Lineage” de los enormes Wolves In The Throne Room. Quizás fue por la temática de sus letras y su filosofía alejada de satanismos y demás tonterías, o quizás porque hace unos cuantos años se pasaron por tierras astures en concierto (y al que no fui, para mi desgracia), pero ésta es la primera banda del género que captó realmente mi atención.

Con este disco, que por lo visto será el “canto del cisne” de la formación, estos oriundos de Olympia (Washington), ilustres representantes del Cascadian Black Metal, presentan una obra refinada sobre manera, en la que consiguen depurar su black atmosférico mediante el uso de arreglos sugerentes (voces femeninas, campanillas, arpas,… ), temas introductorios y ritmos pausados, generado un efecto envolvente sobre el oyente, un oscuro manto de dimensiones extra terrenales.

Hay que decir que la experiencia WITR, a pesar de gozar de un alto nivel de aceptación que incluso ha transcendido la mera escena blacker, se me antoja compleja de abordar para el oído poco entrenado. Como los buenos vinos, las escuchas de sus discos hacen aparecer detalles que provocan la sensación de mejora con el paso del tiempo.

Y de las atmosferas tenebrosas, pasamos a Nachtmystium y esa amalgama de estilos e influencias que resultó ser “Assassins Black Meddle Pt. 1”.

A mediados de la década pasada y tras varios años en el underground de Chicago, Blake Judd, líder de estos Nachtmystium, se encuentra en un callejón sin salida. Cansado de las limitaciones inherentes a toda escena y con diversas inquietudes e influencias a las que desea dar rienda suelta, se decide a dar un paso adelante. De la misma manera que el disco “Meddle” supuso un cambio de dirección en la carrera de los magistrales Pink Floyd, Nachtmystium iban a ofrecer su propia versión del concepto “cambio de rumbo” de una forma mucho mas oscura con sus “Black Meddle”: Llega el momento de fusionar el Black Metal que vienen efectuando desde hace años con ciertos aspectos de la psicodelia de los 70.

Ampliamente reconocidos por la crítica en su momento, este disco (y su continuación, pero de una forma diferente) goza de una amplia variedad de registros que van desde los temas épicos como “Assassins” o “Ghosts of Grace” que acercan el Black al Rock, hasta los momentos de caña inmisericorde como “Omnivore”, pasando por los medios tiempos psicodélicos como “Code Negative” o incluso un opus final compuesto por tres partes principalmente instrumentales.

Esto es todo por ahora. Particularmente he disfrutado muchísimo de estas dos referencias y pienso continuar con mi viaje por el mundillo blacker.

Eilen Jewell - Gijón - 22 de Octubre 2011 (Sábado)

2011-10-24T20:46:00.001+02:00

Tras las visitas de Marah y Steepwater Band, esta era la tercera gran cita rockera que el mes de Octubre deparaba a la ciudad de Gijón. De la misma forma que con dichas bandas, nos encontramos ante una artista que ya había pisado tierras astures con anterioridad (2009, 2010) y de la que por lo tanto, muchos de los presentes ya habíamos tenido el placer de disfrutar.

A las 22:40 se subieron Eilen Jewell y sus compinches a las tablas del pequeño escenario del Monkey Club, que presentaba un aspecto de gala, con una afluencia importante de público y las incomodidades que ello conlleva. La propia Eilen se mostró sorprendida por el húmedo calor del local, hecho que dio juego a la hora de presentar algunos de los temas que sonaron la noche del Sábado.

Durante la hora y media que duró el concierto hubo tiempo para momentos de festivo Honky Tonk, de pausado Blues y sobre todo, de mucho mucho Country. Fueron pasando los temas de su último disco (“I Remember You”, “Queen of the Minor Ke” ó la aclamada “Kalimotxo”), las versiones (Hank Williams, Loretta Lynn,…) y alguna que otra referencia a su discografía pretérita (“Sea of Tears”).

En todo momento, la deliciosa Eilen se las apaña para acaparar miradas, ya sea cantando y tocando, mediante (demasiado largos) speeches en castellano o dirigiendo a su banda.

En uno de estos monólogos, esta reina de las tonalidades menores nos confesó su debilidad por las canciones de temática triste, y en ese momento cobró un poco más de sentido la adusta presentación de la banda, todos vestidos de lacónico negro, protocolo roto a duras penas por las verdes botas de cocodrilo que calza Jerry Miller o el inseparable collar blanco que tan bien luce en el cuello de nuestra protagonista, y que invita a pensar en un extraña celebración sureña.

Es un placer poder disfrutar de esta artista y su música con tanta frecuencia y de nuevo sólo podemos despedirnos deseando una futura visita.

Cinco días en el coche: Metallica - Ride The Lightning

2011-10-22T12:35:00.001+02:00

Esta última semana en mi coche a sonado thrash metal del bueno, los Metallica de los 80 han bramado con vehemencia a todo volumen.

A estas alturas de la película Metallica se han convertido en toda una institución, su carrera ha pasado por multitud de altibajos y siguen estando de actualidad (mismamente por estas fechas acaban de sacar un disco con Lou Reed). Te pueden gustar más o menos, pero hay que admitir que son una leyenda en vida.

Sin embargo, la mía es una historia de decepciones en torno a esta banda. La más grande de todas me la llevé en Gijón, el 14 de Julio de 1999, a las puertas del hipódromo de Las Mestas. Lo recuerdo como si fuese ayer, Metallica tocaban esa noche con Monster Magnet de teloneros. Tras la pertinente ingesta de kalimotxos con los colegas, me alineé con la masa heavy y nos agolpamos en la entrada. En ese momento apareció por allí un melenudo y nos dio la fatídica noticia: Concierto suspendido por razones de seguridad. Recuerdo el viaje de vuelta a casa como un tremendo bajón, medio bolinga tras la decepción.

Aquella experiencia adolescente me marcó a fuego y durante todos estos años he mantenido un alto nivel de resentimiento hacia la banda (su patético comportamiento en la década pasada tampoco es que me animase mucho). Sin embargo y gracias a que este año sus discos clásicos han pasado a tener un precio razonable, me he animado a darles una oportunidad.

“Ride The Lightning” (1984) es el segundo trabajo editado por los cuatro jinetes de San Francisco y en el podemos encontrar temas tan míticos como “Creeping Death”, “Fade to Black” o “For Whom the Bell Tolls”. Poca broma.

Desde la perspectiva actual casi resulta difícil hacerse una idea de lo que supuso este disco en su momento, un sonido que extremaba las posibilidades del género, y que era capaz de seducir por su velocidad y contundencia, pero también por su virtuosismo y su querencia por los melodías. Con este disco la banda consolidaba su propuesta, se ganaba el respeto incondicional de la multitudinaria audiencia heavy y comenzaba a preparar el camino que los llevaría al éxito mas absoluto .

En su momento había pocas cosas en el mundo de la música que resultasen más intensas y provocasen mayor sensación de peligro que una actuación de Metallica. Desafortunadamente, todo lo relativo a la actitud y la coherencia acabó por desaparecer… dicho lo cual, nada podrá hacer que dejemos de disfrutar de una obra de semejante calibre.

1991, 1971,… ¿1981? (I)

2011-10-19T18:29:00.000+02:00

Como consecuencia de las celebraciones del 20 aniversario de la edición de Nevermind, mucho se habló en los corrillos de internet acerca de las bondades de la cosecha musical del año 1991. Que si el “Ten” de Pearl Jam, que si el “Blood Sugar Sex Magik” de los Red Hot Chili Peppers, el álbum negro de Metallica, “Out of time” de R.E.M.,… y así, unos cuantos discazos.

Como consecuencia de ello, me apeteció comparar esta hornada de discos con los lanzamientos de otras décadas. Así me di cuenta que si la música que se hacía hace 20 años ha marcado a fuego el gusto popular, lo que se hizo hace 40 años fue sencillamente maravilloso: “Led Zeppelin [IV]”, “Who's Next”, el “Sticky Fingers” de los Rolling, “What's Going On” de Marvin Gaye ó “Maggot Brain” de Funkadelic. Y de nuevo, así podríamos tirarnos un buen rato: Tremendo.

El caso es que ayudado por la web Rate your music, me puse a investigar que música interesante se podía escuchar en el mundo hace 30 años, en 1981, en los inicios de la década de los ochenta, mi gran desconocida.

Para empezar, destacar que en ese año se editaron tanto “Fire of Love” de los Gun Club, como “From the Lions Mouth” de The Sound, dos de mis referencias predilectas en toda la década.

El primero de los casos supone el debut de la banda de Jeffrey Lee Pierce, y en el podemos encontrar todas las señas de identidad de su música, una especie de blues-folk-punk que nos relata historias de la américa gótica, corazones y locuras pasionales.

Parece mentira que a día de hoy esta banda goce de tan poco reconocimiento, puesto que su influencia se deja sentir en multitud de grupos, desde White Stripes hasta Woven Hand.

En el segundo caso, nos encontramos con un clásico de Post-Punk, una obra maestra sin paliativos que refleja el gran momento creativo que experimento Adrian Borland en estos años. Criticados por un excesivo parecido con Joy Division y con una difusión bastante lamentable (si tienes un vinilo original, te aseguro que vendiéndolo te vas a arreglar el mes), The Sound nunca gozaron del éxito de muchos de sus compañeros generacionales, pero sin embargo, fueron capaces de dejarnos esta maravillosa música atemporal.

Cinco días en el coche: David Bowie–Diamond Dogs

2011-10-16T21:35:00.001+02:00

David Bowie es uno de los músicos de cabecera de mi padre. Quizás sea por ello que cuando le escucho, además de disfrutar de la música, es fácil que me asalte algún recuerdo de mi familia y de mi niñez. En suma, una bonita experiencia.

Esta semana he metido en el coche “Diamond Dogs”, un álbum que Bowie presentaba en 1974, época en la que el artista trataba de encontrar nuevas caminos por los que transitar, intentando alejarse de la alargada sombra del glam con el que tantos réditos había obtenido. Años mas tarde, con la serie de discos que conforman su época berlinesa, Bowie se pondría a la cabeza de la vanguardia musical. Sin embargo, en este punto el artista se quedaba un poco en tierra de nadie, no consiguiendo presentar excesivas novedades en su sonido.

Más allá de estas consideraciones, estamos ante un buen disco sin duda alguna, con temas de gran estatura como son “Sweet Thing”, la famosa “Rebel Rebel”, la sorprendentemente discotequera “1984” o mi preferida, “We are the Dead”.

Es importante destacar que de nuevo Bowie presenta un conjunto de letras oscuras, que dibujan una visión tenebrosa de un mundo futurista, pero con la particularidad de encontrarse fuertemente influenciadas por el libro “1984” de George Orwell. Hace muchos años yo también leí esa novela, cuando todavía era posible asociar el concepto de “Gran Hermano” a algo mas que bazofia televisiva.

Hablar a día de hoy acerca de David Bowie, es hacerlo de un artista retirado que, a falta de nuevas noticias, parece haber puesto punto y final a su carrera rodeado de misterio y continuos rumores. Un genio hasta para la jubilación.

The Steepwater Band - Gijón - 12 Octubre 2011 (Martes)

2011-10-12T20:33:00.001+02:00

Volvía la Steepwater Band a Gijón, plaza propicia para ellos gracias a la entrega con la que abordaron visitas previas y que les permite gozar de una gran aceptación entre el rockerio local. Aunque esta era su tercera actuación en tres años, no podían dejar de pasar por estos lares para presentar su último disco, “Clava”, en el marco de una extensa gira que les lleva a recorrer tierras españolas. Se podría decir que nunca hay demasiado Steepwater para Gijón.

Lo primero que tengo que admitir es que no soy un gran fan de sus discos. Y no quiero que se me malinterprete, me parecen buenos discos, solventes. Pero la talla que alcanza este grupo sobre un escenario es de tal magnitud que sus discos me saben a poco, a un servidor le cuesta reconocer toda su intensidad en sus LPs.

A las once en punto, tras la rugiente actuación de los asturianos Alto Volto, saltó a las tablas de la Sala Acapulco este trío comandado por el genio de la guitarra que resulta ser Jeff Massey. Arrancaron fuerte los de Chicago con dos temas trotones como son “Roadblock” y “All the Way to Nowhere”, y de ahí en adelante, una hora y unos cuarenta minutos de rock and roll americano con fuertes raíces sureñas e inspiración blues, que culminaron por todo lo alto con un homenaje al gran John Lee Hooker vía “Boom Boom” y que puso a botar a todos los presentes.

En esta ocasión la actuación no se alargó hasta las 3 horas y media, y la verdad es que no hizo falta para que Steepwater volvieran a salir victoriosos del envite… sólo por esa vibrante interpretación del “World Keeps Moving On” de su disco “Grace And Melody” los quince euros de la entrada ya quedaron plenamente amortizados.

A día de hoy, la calidad de esta banda esta fuera de toda duda. Uno no puede menos que dejarse maravillar por el tremendo espectáculo de pureza musical que se destila sobre el escenario cuando esa sección rítmica compuesta por Joe Winters, con su extraña forma de golpear los parches, y Tod Bowers en su caballeroso y sereno estilo, se sitúa en el centro del huracán que es capaz de desatar Jeff con una guitarra en las manos.

The Steepwater Band, un valor seguro. Hasta la próxima.

Cinco días en el coche: John Lennon - Echo & The Bunnymen

2011-10-08T12:03:00.001+02:00

En los cinco días que dura la semana laboral suelo meter en el coche un par de discos para que me acompañen en los trayectos. Normalmente, uno de los discos es mi última compra, mientras que el otro suele tratarse de un disco que tengo desde más tiempo.

En los tiempos que corren, me ha parecido buena idea hacer un homenaje al disco como elemento físico, así que mientras me dure el ánimo, iré posteando fotos de mis discos y si tengo ánimo, realizaré alguna referencia a la música y a su contenido.

Para empezar, esta semana he estrenado “John Lennon/Plastic Ono Band”, álbum de los 70 que constituye el primer gran esfuerzo de Lennon lejos de los Beatles, y que supuso una agradable sorpresa después de unos inicios un tanto dispersos.

Esta edición es la remasterización del 2009, y viene acompañada de un bonito libreto con imágenes raras y las letras manuscritas de las canciones, además de dos canciones extras.

En el disco podemos encontrar clásicos imperecederos como “Mother”, “Working Class Hero” o “God”… poca cosa, ¿eh? Además de estos grandes clásicos, también podemos encontrar temas como “Love” o “Isolation”, que aunque tengan una menor repercusión, hacen a uno reflexionar en lo grande que de la figura de Lennon y su filosofía de la vida.

Por otra parte, estos días también he estado escuchando “Ocean Rain” de Echo & the Bunnymen.

Me hice con este disco hace varios años, cuando quedé fascinado por el film Donnie Darko. La banda sonora de esta película contiene varios temas ochenteros, y el que mas me llamó la atención, “The Killing Moon”, incluido en este “Ocean Rain”.

Esta edición es una remasterización del 2003, con un libreto que incluye textos sobre el disco y fotos de la banda, con las portadas de los singles.

Marah – Gijón – 2 de Octubre (Domingo)

2011-10-03T20:13:00.001+02:00

Han pasado más de 5 cinco años desde que Marah se presentaron en Oviedo, en la gira de aquel excesivamente adulado “If You Didn’t Laugh, You’d Cry”. En aquella ocasión, los hermanos Bielanko llegaron a tierras astures respaldados por la que fue seguramente la mejor banda de la que han gozado, y si a eso le unimos el hecho de que la sala se llenó gracias a la entrada gratuita, hay que admitir que aquel concierto fue memorable. Marah montó una gran fiesta, y el público respondió entregado.

Un par de años después, en diciembre del 2008, Marah se acercó en esta ocasión a la villa de Gijón. No andaba muy puesto en los asuntos de la banda y me llevé un susto cuando me encontré con una formación compuesta únicamente por dos personas: Dave Bielanko y Christine Smith. Aquel concierto de carácter navideño no me gustó mucho: aunque Dave se dejara el alma, las bajas se notaron demasiado.

Con estos antecedentes, la banda se presentó de nuevo en Gijón, presentando su último disco “Life is a problem” y con la vuelta de Serge a la formación. Ante una audiencia bastante escasa (andaba Gijón bastante revuelto con la visita del mega-equipo barcelonés de futbol), comenzó la actuación a eso de las 10 y media. No soy un gran fan de los últimos discos de la formación, por lo tanto el setlist me resultó bastante desconocido. No obstante, pude reconocer “Santos de madera”, “Sooner Or Later”, “Within The Spirit Sagging” o mi preferida “The Dischwasher's Dream”.

Durante una hora hora y media, más un par de bises, sobre el escenario del Monkey Club se pudo ver un ejercicio de Rock and Roll efectuado con pasión, plagado de melodías, con cierto deje springstiniano, y para qué negarlo, con bastante desfase.

La vuelta de Serge supone un gran impulso, y aunque la banda en general palidece ante la formación del 2006, la actuación me resultó bastante amena, quitando cierta tendencia a alargar los temas hacia ninguna parte.

Pequeñas bandas como Marah, con sus problemas y sus idas y venidas, hacen que esto del Rock and Roll se mantenga en pie con dignidad y pasión. Estaremos atentos a los próximos movimientos de los hermanos Bielanko y quién quiera que les acompañe sobre las tablas o en el estudio.

PD: Nunca he visto beber tanto a una banda: Botellas de vino, chupitos y muuucha cerveza. La resaca pudo ser dura, aunque esta mañana me los he encontrado por las calles de Gijón tomándose una cañas. A veces, la vida es un problema, pero es mejor tomárselo con filosofía.

Recuperando a Kurt (Nevermind 20 años después)

2011-10-01T20:10:00.001+02:00

Durante los últimos meses mucho se ha estado hablando acerca del vigésimo aniversario de la edición del Nevermind de Nirvana. Como no podía ser de otra forma, me he dejado llevar por esta corriente de culto a la figura a Kurt Cobain, volviendo a escuchar los maravillosos discos que nos dejó, leyendo cualquier cosa que cae en mis manos o incluso viendo películas, documentales o videos de conciertos.

Tratar de poner algo de luz al misterio y la tragedia de Kurt siempre me resulta un ejercicio fascinante, sobre todo teniendo en cuenta lo que significó en su momento esta música para mí. Pero aunque a estas alturas ya nadie duda de la talla del artista, no deja de ser menos cierto que resulta difícil entender como una persona que llego a brillar de tal manera se viese imbuido en una espiral de miseria que le impulsó a acabar con su vida.

Existen diversas fases en la vida del Cobain famoso. Para empezar, las fases de grabación, salida al mercado y posterior éxito del disco Nevermind eran recordadas por Kurt como algunos de los periodos más felices de su vida. No es difícil imaginar la alegría que debe suponer una experiencia de este tipo para una banda de rock. En el número que la revista Mojo dedicó a la banda se analizó dicho periodo.

Resulta especialmente interesante como se recupera una entrevista que se hace a la banda en Agosto de 1991 durante la gira europea como teloneros de Sonic Youth, cuando todavía faltaba un mes para que Nevermind viese la luz.

Esta entrevista se realiza escasos días antes de la mítica primera actuación en el Festival de Reading, en la que ocuparon un lugar discreto dentro del cartel. Un año más tarde, después del éxito tan absoluto que supuso el lanzamiento del mítico disco y tras un año de promoción continua, mientras en España vivíamos con alborozo los fastos olímpicos de Barcelona, Nirvana iban a volver a las pistas de Reading, pero ya como fenómeno absoluto y liderando el festival.

Dicha actuación, que muestra a una banda llena de intensidad aunque quizás un tanto hierática, ha sido editada hace unos años y el visionado de la misma resulta del todo recomendable, Cobain aún parecía poder disfrutar sobre el escenario. No obstante, estos eran días complicados en el plano personal, con todo el escandalo que había surgido en torno al nacimiento de su hija en la prensa sensacionalista.

Otra lectura interesante la podemos encontrar en el libro “Nirvana and the Sound of Seattle”, que explica el desarrollo de la escena musical de Seattle y hace especial hincapié en los aspectos relacionados con la carrera de Nirvana, justo hasta finales del año 1992.

En esta época los escándalos comenzaron a agobiar sobremanera al músico y a su esposa Courtney Love. Seguramente con la idea de tratar de limpiar un poco la maltrecha imagen de la que gozaba la pareja, Kurt concedió una serie de entrevistas a medios afines.

Dentro de esta serie de entrevistas podemos encontrar una serie de conversaciones que tuvieron lugar entre finales de año 1992 y poco antes de entrar en el estudio para grabar “In utero” en 1993 con el periodista Michael Azerrad. Este material ha sido utilizado en el documental “About a Son”, en el cual se montan las palabras del propio Cobain sobre imágenes de lugares que resultaron importantes en la vida del artista, de un modo interesante y ameno.

“In Utero” supuso el intento por parte de la banda de recuperar cierta credibilidad dentro de los círculos mas radicales del Punk. Con una producción mucho mas áspera, estamos ante una nueva obra maestra, que no obstante tuvo menores ventas que su predecesor. El libro “Nirvana y los últimos días de Kurt Cobain” explica las diversas polémicas que la banda tuvo con su discográfica a la hora de editar el disco en cuestión, y trata de relatar los últimos meses de la vida de Kurt, incidiendo en aspectos, que no por escabrosos (sobredosis, intentos de suicidio,… ) dejan de ser interesantes.

Precisamente sobre los últimos días de la vida de Cobain trato de teorizar Gus Van Sant en su película “Last Days”. Aunque en ningún momento se habla de la banda, toda la iconografía del protagonista nos retrotrae al cantante de Nirvana.

Como en el resto de películas de la denominada “trilogía de la muerte”, Van Sant imprime un ritmo pausado al film, con escenas que se repiten múltiples veces desde diversos ángulos y con el uso profuso de recursos como el “plano-nuca” y demás manierismos con los que se busca dotar al film de un mayor realismo y que al menos a mí, me resultan atrayentes.

Por último, entre mis lecturas de Nirvana en este último año también se encuentra el libro “Cobain íntimo”. Charles R. Cross saca a la luz en este libro un montonazo de material visual que recopiló durante las entrevistas y la preparación de la biografía de Kurt “Heavier than heaven”.

En contraposición a aquella, en este libro trata de mostrar la cara mas íntima y desconocida del artista, dejando un poco de lado la música y centrándose en aspectos desconocidos de su biografía mas personal.

Aunque no deja de ser cierto que lo mejor de Kurt siempre lo encontraremos en su música, con todas estas referencias podemos acercarnos a la personalidad y el aura de Cobain, un viaje del todo atrayente.

Rock Gatuno II

2011-09-27T10:07:00.001+02:00

Etiquetas: Rock Gatuno,Freddie Mercury,Kurt Cobain,David Bowie

Black Metal I (Weakling, Agalloch)

2011-09-15T23:19:00.001+02:00

Hard-Rock, Grunge, Blues, Folk,… Black Metal!!!! Varios son los géneros a los que podría dedicarles una entrada en este blog, y siendo sinceros, me muevo mejor en otros ámbitos. Pero en los últimos años ando extremando mis gustos musicales, y por esas cosas inexplicables de la vida, me hayo bordeando la treintena y dedicando mi tiempo a descubrir géneros como el que nos ocupa.

Ah, los prejuicios. Aunque es ahora cuando me estoy introduciendo en esta música, hace años que llegaron a mis oídos las truculentas historias protagonizadas por las múltiples bandas nórdicas de Black. Aquello siempre me sonó lo suficientemente sórdido como para no prestar demasiada atención. Al fin y al cabo, eso de los asesinatos y la quema de Iglesias no podía deparar nada bueno.

El caso es que desde que aquellas bandas revolvieron la escena metalera a principios y mediados de los 90, el género a seguido evolucionando y fusionándose con otros estilos como el Post-Rock o el Folk, lo que le permite gozar de una envidiable salud en la actualidad, con numerosas bandas que merecen la pena y lanzamientos de calidad.

Como soy un neófito en estas lides, mis pretensiones con esta serie de entradas dedicadas al Black Metal van a ser poco ambiciosas, limitándome a destacar las cualidades de una serie de discos que he estado escuchando impulsivamente en los últimos días/semanas, y que creo bien podrían servir de introducción al género para cualquier inocente inexperto como yo.

Como mi intención es centrar estos posts en discos más o menos recientes, el LP mas antiguo que voy a recomendar es “Dead As Dreams”. Grabado en 1998 pero editado en el año 2000, con estos 5 largos temas, la banda Weakling emite un aullido tal que sus ecos todavía se pueden percibir en múltiples bandas actuales.

Con solamente dos demos previas, el único LP de esta banda de San Francisco presenta un ejercicio de Black progresivo altamente atmosférico, con una calidad instrumental notable y que bien puede ser reconocido como el eslabón perdido entre las dos grandes épocas/escenas del Black. El disco en si es toda una avalancha de energía que combinando los aspectos arquetípicos del Black, como esas voces desgarradas tan difuminadas en la mezcla final, provoca un efecto altamente angustioso.

Hablar de Weakling, es hacerlo de una banda perdida en el tiempo, cuya propuesta estaba condenada a la incomprensión. Existen muchas leyendas en torno a la edición y difusión de “Dead As Dreams”, pero lo único que se puede asegurar a ciencia cierta es que su edición en vinilo alcanza altos precios en el mercado de segunda mano y que el formato CD se encuentra igualmente descatalogado, confiriendo a esta obra una mayor aura de misterio.

Un par de años mas tarde de la edición de este “Dead As Dreams”, la banda Agalloch presenta en el mercado “The Mantle”. He estado dándole muchas vueltas al hecho de incluir este disco en esta recopilación, debido a que un número elevado de temas apenas se acercan al genero blacker, pero teniendo en cuenta su calidad y que puede ser tomado como paradigma de fusión y asimilación del género, finalmente aquí lo presento.

En su segundo disco, esta banda de Oregón consiguió fusionar elementos del Folk, el Doom y el Black Metal de un modo brillante. Además de incluir temas totalmente blackers (“I Am The Wooden Doors”, el contraste de las voces “marca de la casa” sobre la base de temas netamente folkies como en “In The Shadow Of Our Pale Companion” resulta una mezcla muy sugerente que permite echar a volar la imaginación. Mismamente, yo no puedo evitar dejar de pensar en imágenes de diablos de cara quemada abandonados a su suerte con la única compañía de una guitarra acústica y un montón de lamentos. Esta obra, profusa en medios tiempos y arreglos de calidad, supuso toda una bocanada de aire fresco para el género, y permitió a Agalloch obtener un reconocimiento tanto a nivel de público como de crítica que perdura hasta el día de hoy.

Con estas dos recomendaciones doy por cerrada esta primera parte de la recopilación de discos blackers a los que merece la pena dar una oportunidad, esperado no tardar demasiado en presentar nuevas bandas y discos.

Keith Mina Caputo

2011-09-09T16:49:00.001+02:00

Cuando hace unos años por fin tuve una conexión decente a internet, uno de los primeros grupos que descubrí gracias a la marabunta digital fue Life of Agony. En ese momento yo ya había oído hablar de la banda múltiples veces, pero por una cosa o por otra, nunca había tenido la posibilidad de acceder a sus discos.

El impacto que “River Runs Red” me produjo fue grande: esa mezcla de hardcore y metal, las letras tan depresivas y la impresionante voz de Keith Caputo. Hay que admitir que estamos hablando de un disco difícil, demasiado mal royo. Pero no cabe duda de que si se encuentra la ocasión adecuada, es una obra capaz de subyugar.

Tras este maravilloso debut, la banda de Brooklyn siguió su camino, con una evolución interesante que aunque no les deparó el ansiado salto a la fama, si que les proporcionó una buena base de fans, especialmente en países como Alemania o Bélgica.

Ahora parece ser que la banda se va a separar definitivamente, puesto que su cantante así lo ha manifestado. Desde hace cierto tiempo llevo siguiendo las andanzas de Caputo en twitter (@KeithMinaCaputo), y la verdad es que cuando en el pasado mes de Julio se publicó una entrevista en la que afirmaba haber iniciado un proceso de transformación de sexo no me llevé una sorpresa excesiva, puesto que ya había dejado caer algún comentario y alguna foto que hacia pensar en dicha posibilidad.

En una reciente entrevista para Kerrang, que se puede encontrar en la web del artista, Caputo comenta que desde una edad muy temprana era consciente de su naturaleza sexual, pero que debido a su educación y al hecho de formar parte de una banda como Life of Agony, no se había sentido capaz de dar el paso.

A lo largo de todos estos años, ha debido ser difícil vivir con un peso así. A día de hoy se entienden mejor declaraciones suyas como las que se pueden ver en esta larga entrevista o las imágenes de este videoclip de su recomendable disco en solitario “A Fondness For Hometown Scars”. Llega a emocionar.

Turborock Sabado 3 de Septiembre 2011 Santander

2011-09-06T08:09:00.001+02:00

Después de dormir unas nueve horas, todavía estábamos cansados. Comenzamos el día con una ducha, unas cañas y una comida en la bonita ciudad de Santander. Antes de ir para el Escenario Santander, el bonito recinto donde este año se celebraba el Turborock, decidimos dormir una pequeña siesta puesto que el cansancio hacía mella y el día se presentaba largo.

La segunda jornada del Turborock iba a estar marcada por el genio de Jesse Malin. Nosotros llegamos al recinto cuando su concierto acústico en formato dúo ya había arrancado. Me llevé una ligera decepción por que me esperaba a una banda (¿no lo anunciaba así el cartel?). El concierto estuvo entretenido, con el típico momento comuna en el que Jesse salto del escenario e hizo sentar en torno a él a todos los presentes. Tras el concierto, el artista fue al puesto del merchandising y allí firmo, habló y se hizo fotos con todo el que así lo quiso.

A continuación, las actuaciones tanto de Del-Lords como de los Buzzcocks las vimos desde la distancia, sentados en el prado. El primer grupo realizó un concierto solvente sin demasiadas estridencias, mientras que los Buzzcocks pusieron la nota punk y parecieron entusiasmar a sus seguidores. Tras estos conciertos me alegré de comprobar que el sonido general del escenario parecía mucho mejor que el del día anterior.

Aprovechamos los últimos minutos de Buzzcocks para ir a cenar y beber algo de cerveza. Volvemos a llegar tarde para la actuación de Urge Overkill (ahora había horarios, pero yo siempre me las apaño para llegar tarde a todas partes). He de decir que esta era una de los momentos que esperaba con mas ganas y aunque el concierto tuvo buenos momentos, como ese “Somebody Else's Body”, la actuación me decepcionó. Un Eddie "King" Roeser un tanto desmejorado y pasota y una banda de acompañamiento poco destacable hizo que el buen trabajo y las ganas de Nash Kato quedaran un tanto deslucidas. Tras el concierto pudimos ver al bueno de Kato deambulando solo por el recinto, reflejando este hecho un poco el estado que percibí de la banda.

La nota enérgica del festival la pusieron los “Bellrays”. Con esta banda me pasa algo curioso, los conocí allá por el año 2001, con su disco “Grand Fury” y prometían mucho, los ingredientes parecían los adecuados (Punk, Soul, High energy, conciertos demoledores,…). Sin embargo, por unas cosas o por otras, la evolución de la banda no termino de convencerme, y la verdad es que los tenía un tanto apartados. Hay que admitir que el concierto fue demoledor: la gente botó como en ningún otro concierto, Lisa le puso muchas ganas y el resto del grupo no se quedo atrás, destacando ese batería tan espectacular que forma parte actualmente de la banda. Con todo ello, a estas alturas estaba muy cansado y a la mitad del concierto decidí tirarme en el prado a esperar la actuación del día.

Y esa no sería otra que el retorno de los D Generation, capitaneados por el inefable Jesse Malin. La banda neoyorquina se convirtió en la protagonista absoluta del festival, con una actuación centrada principalmente en la interpretación de los temas del grandioso “No Lunch”. Aunque de nuevo me pareció sentir sobre las tablas el típico desajuste de la “banda reunida para la ocasión”, he de decir que todo sonó razonablemente bien y que tanto yo como una gran mayoría de los presentes disfrutamos y berreamos los últimos himnos de punk autentico salidos de la ciudad de los rascacielos. El porqué de que esta banda lleve separada casi 10 años es un misterio para mí, y una pena. El final del concierto con toda la gente pletórica coreando “No Way Out” fue un momento para la historia.

Para el final quedó la actuación de Slim Cessna's Auto Club. Supongo que no es cuestión de pedirle peras al olmo y cierto es que eran las 2 A.M. pero me pareció una falta de respecto total el sonido que se llevó esta banda. Acoples continuos e instrumentos que no sonaban (el misterioso caso del banjo mudo!!!) lastraron la actuación, pero aún con esas me pareció un bolo cojonudo, con un Munly al que tenía muchas ganas de ver y que es todo un personaje.

Abandonamos el recinto comprobando que a Jesse Malin realmente le gusta el contacto con la gente, y pensando lo duro que es esto de los festivales y que realmente así la música no se puede disfrutar adecuadamente. Pero al llegar al hotel encendí la tele y ahí estaban los Interpol en su actuación del Primavera Sound de este año y sentí envidia de no haber estado ahí. Puede que los festivales no sean el sueño de los amantes de la música, pero en los tiempos que corren, son un mal necesario, y realmente son mas llevaderas con iniciativas modestas como el Turborock.

Turborock Viernes 2 de septiembre 2011 Santander

2011-09-04T20:42:00.001+02:00

Segunda edición del Turborock y segundo festival que piso en lo que va de año. El viernes por la tarde nos acercamos a pasarlo bien a tierras cántabras en un fin de semana cargado de rock y pop, en esta iniciativa que busca a traer a los amantes de la música con un festival modesto, que pretende acercarse mas a un conjunto de conciertos en sala que a un macro evento social. Con un conjunto de bandas bien escogidas capaces de llamar la atención del connoisseur exigente, todo hacía presagiar un par de jornadas bastante animosas, plagadas de buena música.

En esta ocasión el festival en Santander parecía estar claramente diferenciado en una primera jornada mas cercana al (power-) pop lustroso y en un segundo día de rock mas contundente.

Estrenamos el festival llegando tarde al concierto de los Sadies (durante todo el viernes fui incapaz de encontrar en todo el recinto un horario con las actuaciones). Sonaron mucho más contundentes de lo que me había parecido en las breves escuchas que les di a sus discos y pese al desconocimiento por mi parte, me acabaron convenciendo.

Los siguientes en salir a escena fueron Gigolo Aunts. Después de un puñado de años, esta banda se reunía para dar unos pocos conciertos. No cabe duda que este tipo de reuniones puntuales suponen una alegría para el fan que a perdido la esperanza de ver a la banda de su vida, pero no deja de ser cierto que es difícil para los músicos volver a compenetrarse, y en ciertos momentos me pareció que el concierto no llegaba a sonar todo lo conjuntado que sería deseable. De todas formas, un concierto mas que elogiable y que disfrute en su justa medida (de la tienda de discos, me llevo un par de CD´s de esta banda).

El festival siguió con la representación del mítico álbum “Girlfriend” por parte de Matthew Sweet. Con la perspectiva de los 20 años que han pasado desde su edición, podemos decir que este disco supuso la cima de Matthew y por lo tanto uno de los momentos mas elogiables del pop noventas. Este era uno de los conciertos que mas curiosidad me despertaban, y he de decir que me produjo cierta decepción, no se si por que me pareció detectar una cierta desgana general sobre el escenario o por el sonido criminal. Aún así, me quedo con las bonitas interpretaciones de “Thought I Knew You” o “Don't Go”.

A continuación los cabezas de cartel Nada Surf se subieron al escenario. He de admitir que cuando anunciaron su inclusión en el cartel del festival la noticia me dejo bastante frio. Pero he ahí la magia de la música, me he pasado este verano escuchando sus discos y me han enamorado. Por lo tanto, este era uno de los grandes alicientes del festival para mí. Con un repertorio cojonudo y una banda super-entregada (Daniel Lorca incluso estaba emocionado por tocar en “su” casa), el concierto solo quedo deslucido por el sonido mas horrible de todo el festival, que incluso hizo a la banda tener que parar en alguna ocasión. Daniel Lorca es todo un personaje, con un carisma tremendo al bajo y que ilustro la actuación con un montón de anécdotas en castellano, mientras que Matthew Caws luce toda la pinta de genecillo, un tipo pequeño pero totalmente consciente de lo que se lleva entre manos, que no es otra cosa que una de las mejoras bandas de melodías del mundo. Momentos mágicos como “Killian's Red” o “Do It Again” me agitaron el espinazo y me hicieron gritar y botar como un loco.

Después de esto, esperé hasta que los marcianos de Man or Astro-man? hicieron acto de presencia. Tras un par o tres de temas, y tras constatar como disfrutaban del mejor sonido de la jornada, decidimos que eso del surf instrumental no nos entraba ni a tiros y nos retiramos al hotel, todavía quedaba el sábado por delante y había que ahorrar fuerzas.

R.I.P. Amy Winehouse

2011-07-26T23:59:00.001+02:00

Me sorprendió esta noticia el sábado poco antes de acostarme, tras estar todo el día desconectado del mundo. Entré en twitter y me llamó la atención que Janis Joplin y Brian Jones eran tendencias, algo malo había pasado.

Sin haber seguido mucho la vida de esta chica, tengo que decir que da mucha pena lo que ha pasado, otro gran artista quemado por la fama. Vi con mucha tristeza el famoso video de Belgrado, pero ni de lejos pensé que todo acabaría tan mal. Me imagino que ahora, al igual que tantas otras veces, comenzará el saqueo del cadáver.

Para el recuerdo quedará esa maravilla que es “Back To Black” y que seguramente la ha aupado a la cima de los más grandes.

R.I.P. Amy

Con Thee Michelle Gun Elephant en el recuerdo

2011-03-19T11:44:00.001+01:00

Esta semana no han parado de llegar noticias jodidas desde Japón. Terremotos, tsunamis, alertas nucleares… muertos y mas muertos.

Se que puede sonar morboso, pero estando todo el día pendiente de las noticias, no he podido dejar de acordarme de alguno de esos grupos que conozco de aquellas tierras. De todos ellos, seguramente el que más ha llegado a gustar sean Thee Michelle Gun Elephant.

Hace ya unos cuantos años que me topé con una crítica de su monstruoso “Gear Blues” en el Ruta 66. Todo eran alabanzas e incluso se hablaba de uno de los mejores combos sobre la faz de la tierra, a la altura de cualquier coetáneo. Las comparaciones son odiosas, pero recordar el éxito interplanetario de The Strokes, The Hives o incluso White Stripes da penita. Ahora sabemos que TMGE nunca llegaron a comerse el mundo y que encima se disolvieron allá por el 2003. Para colmo de males, me acabó de enterar de que su guitarrista Futoshi Abe murió en 2009, por lo que la historia del grupo puede darse por finiquitada.

Por lo menos, estos cuatro japoneses parece que tuvieron bastante éxito en su país a lo largo de una década, con ese estilo yakuza-ramoniano. Su música es un mezcla de garage atronador con la locura de un manga japonés sobre padrinos y gestores de deshechos de dudosa reputación. Viendo youtubes de la época, se puede apreciar un grupo sin fisuras, en el que todos los componentes tenían su espacio: Las guitarras de Futoshi Abe son como una katana afilada para llevarse todo por delante, la sección rítmica con Koji Ueno y Kazuyuki Kuhara es como un panzer aplastando restos de cadáveres en el campo de batalla y qué decir del bueno de Yusuke Chiba, con esa voz demente berreando en medio de la sinrazón, el descarnado Yamato-damashii afrontando la muerte.

Para finalizar dejo este video de la banda tocando “The Redhead Kelly”, un tema con un puente intermedio adictivo y unos coros finales muy chulos. Son ellos cuatro, con cara de pocos amigos, tocando para una audiencia enorme en una oscuridad inquietante.

Rock gatuno

2011-03-14T23:33:00.001+01:00

Los gatos molan

Discos 2009

2010-01-13T23:31:00.001+01:00

Se acaba el 2009, y aquí dejo mi lista de discos del año

1 - Crippled Black Phoenix - The Resurrectionists/Night Raiders

Todo el bendito año dándole vueltas a este disco. Si no recuerdo mal, se filtró el primer día del 2009, después de una larga disputa entre la discográfica y el grupo y por supuesto, unos meses antes de llegar las tiendas. En esta versión del disco nos encontramos el producto tal y como la banda lo tenía ideado, en formato de disco doble. La edición mas común recibe el nombre de "200 Tons of Bad Luck" y es un disco simple con algunos temas menos. Contiene lo que para mí es el tema del año, los 18 minutos de "Time Of Ye Life / Born For Nothing / Paranoid Arm Of Narcoleptic Empire"

2 - The Soundtrack Of Our Lives - Communion

No tengo muy claro de si este disco debería estar en esta lista, puesto que se editó en parte de Europa en 2008. Yo lo conseguí de importación, pero creo que en 2009, así que lo dejaremos estar. Otro disco doble, pero de características muy diferentes a nuestro vencedor del año: Un buen montón de melodías pop, más o menos rockerizadas o más o menos psicodélicas. Vamos, lo que viene a ser la marca de la casa de este gran grupo, claros destacados en la década que termina. Quiero hacer mención especial al tema que cierra el disco, "The Passover", un gran himno cuasi religioso, que en momentos de penuria puede levantarle el ánimo al más cenizo.

3 - The Avett Brothers - I And Love And You

Estaba mas que cantado, algún día esta banda iba a dar el gran salto, y que mejor manera que de la mano del grandísimo Rick Rubin. Con una producción mas delicada para la ocasión, que profundiza en pianos y acompañamientos, los hermanos Avett dan el do de pecho y entregan su disco mas exitoso hasta la fecha. Esperemos tenerles en nuestros escenarios dentro de poco.

4 - Soulsavers - Broken

Como prácticamente cada año, Mr. Mark Lanegan vuelve a prestar su voz a un proyecto de gran calidad. En esta ocasión tocaba volver a acompañar a los Soulsavers, en este magnifico Broken. Quizás un disco de altibajos, pero donde las cimas te hacen tocar el cielo y con una primera mitad incuestionable. "Some Misunderstanding"... tremendo.

5 - Dan Auerbach - Keep It Hid

Tardé en encontrarle el punto a este disco, nunca le había prestado demasiada atención a la banda madre, los Black Keys, y el royo blues moderno y/o alternativo a los White Stripes o Jon Spencer, por alguna razón inexplicable, siempre me ha producido reparos. Pero es que este disco es muy bueno, y si a ello le sumamos la tremenda actuación de Dan en el Azkena de este año, pues estamos ante el que quizás sea mi disco mas escuchado del año.

6 - Kylesa- Static Tensions

Este ha sido un gran año para el metal alternativo, y de entre todos los discos siderúrgicos, sin duda este es el que mas me ha llamado la atención. No tardé ni un par de escuchas en quedar enganchado a tomazos como "Unknown Awareness" o "To Walk Alone". Y lo mejor de todo, después de abusar de este disco lo inimaginable, todavía no lo tengo memorizado, me sigue sorprendiendo, cosa que no me pasa con, por ejemplo, el último de Mastodon.

7 - Blackberry Smoke - Little Piece Of Dixie

Un poco de Southern Rock no hace daño, y este perfecto ejercicio de estilo bien se merece ser destacado entre los discos del año. El hecho de tenerlos de gira por estas tierras me hizo dedicarle muchas escuchas a este Little Piece of dixie y a sus himnos trotones y épicos. Al final su directo me decepcionó un poco, pero este disco sigue siendo molón.

8 - The Felice Brothers - Yonder is the Clock

Tardé en entrar en el mundo de los Felice Brothers. Como a mucha otra gente, aquello se me parecía demasiado al viejo Dylan, o a los mismos The Band. Sin embargo estos chicos están haciendo un muy buen trabajo, y prejuicios a parte, no lo pude evitar: Con su anterior disco me ganaron para la causa. Casi sin tiempo para asimilarlo, llegó a mi poder su nueva obra. Con un punto de relajación, nos encontramos con un disco perfecto para escuchar tirados en la cama mientras esperamos la llegada de nuestro "Ambulance Man".

9 - Alice In Chains - Black Gives Way to Blue

Lo que en un principio podía ser una jugada muy arriesgada perfectamente puede ser considerado el comeback del año bajo mi punto de vista. La falta de Layne siempre va a estar ahí, pero gracias a este poderoso disco y a una serie de conciertos con grandes críticas a favor, este retorno a merecido la pena.

10 - Antony and the Johnsons - The Crying Light

Comenzaba el año y Antony and the Johnsons sacaban a relucir la continuación de su aclamado "I Am a Bird Now". Un disco maduro, lejos de artificios y de nuevo lleno de belleza. En mi opinión se echan en falta alguno de los excelsos momentos de anteriores entregas, pero el conjunto general sigue siendo sobresaliente. He tenido la oportunidad de ver un concierto de la gira de presentación de este disco y aquello fue un espectáculo maravilloso en el que Antony expresó su singularidad con una clase y una delicadeza enormes.

11 - Cracker - Sunrise In The Land Of Milk And Honey

Me gustan Cracker, y me gustan mucho. No lo puedo evitar, han estado ahí en muchísimos momentos de mi vida. Cuando escuché este disco por primera vez me pareció cojonudo y a día de hoy sigo disfrutando muchísimo del disco mas inmediato y rockero que han sacado en toda la década. Dentro de unos pocos días voy a tener la oportunidad de ver el concierto de Cracker en Gijón, va a ser grande.

12 - Eilen Jewell - Sea of tears

Todo un descubrimiento, cuando me enteré de que esta chica iba a venir a Gijón me puse a escuchar este disco. Rápidamente captó mi atención, y pasó a acompañarme bastante en las horas de curro. El día del concierto aproveché para agenciarme el vinilo, y ahora mismo esa voz delicada y firme, acompañada del maravilloso trabajo a la guitarra del sorprendente Jerry Miller vuelven a dar vueltas en mi reproductor. “Es como si una Lucinda Williams en plena forma llevara a la banda de Chris Isaak perfectamente engrasada”, se ha llegado a decir. Un joven valor al que estar atentos.

Go Longboard - The Dodos - The season

2010-01-03T19:21:00.001+01:00

Dando vueltas por internet he dado con este video. Por lo que parece, pertenece a un grupo de chavales que se dedican a esto del monopatín, dando vueltas por el mundo, grabando sus peripecias (y eso de grabar las peripecias de un grupo de amigos me ha recordado la macarrada de Trash Humpers). Nada fuera de lo normal, se lleva haciendo durante muchos años. De todas formas, me ha parecido bonito comprobar como todavía hay gente que puede vivir de este tipo de cosas en el gris mundo que nos rodea. Me he suscrito a su canal de youtube y les ha faltado tiempo para enviarme referencias de su tienda virtual; supongo que al fin y al cabo hay que aprovechar todas las oportunidades para sacarse unas pelillas.

Independientemente del video en sí, me ha llamado mucho la atención la canción que suena, "The Season" de un grupo indie-folk llamado The Dodos. Los desconocía y me he tenido que descornar hasta que por fín he conseguido sacar el origen del tema. La verdad es que muy rápido no he estado, en los creditos del video acaba saliendo, jejeje.

Por lo visto este tema se encuentra en el disco Visiter, que según comentan en allmusic, es una pequeña joya. Habrá que darle una oportunidad. Me imagino que me encontraré un conjunto de canciones perfectas para ser incluidas en culquier peliculita indie, del estilo Juno o cualquiera otra que podáis tener en mente.

46 Festival internacional de cine de Gijón Parte V

2009-02-23T21:38:00.000+01:00

Más vale tarde que nunca:

18 – Let the Right One In (Déjame entrar): Es el último día del festival y uno ya lleva muchas películas en la cabeza, muchas imágenes impactantes, muchas historias. Te sientas en el cine un poco cansado y no sabes muy bien que esperar. Hasta que paso un buen rato del film ni siquiera me di cuenta que esta era una historia de vampiros.

Este parece haber sido un año grande para los vampiros, con la serie “True Blood” presentada por esa gran productora que es HBO y con la película “Crepúsculo” basada en la primera entrega de una serie de 4 libros cuya temática gira en torno al mundo de unos vampiros adolescentes.

Aunque tengo que admitir no conocer ni la serie ni “Crepúsculo”, poco espero de ellas en comparación con esta “Let the Right One In”, todo un acierto en su acercamiento delicado al mundo siempre tan romántico de esta universal leyenda del terror.

En definitiva, una historia de niños (de nuevo, vaya racha), de amor, de incomprensiones, de descubrimientos, con muchos detalles y con un ritmo nebuloso.

Lugar: Cines Centro Sala 3. Fecha: sabado 29 Noviembre, 17:00 h. Sección: Esbilla

19 – Stella: Tenía bastantes ganas de ver este film, de hecho fue uno de los primeros que decidimos ir a ver. Al final, me acabó decepcionando un poco. Llegaba precedida del morbo de tener en sus fotogramas la última aparición del hijo de Gerard Depardieu, fallecido recientemente además de una buena cantidad de críticas positivas.

No seré yo el que diga nada malo puesto que nada más empezar ya estuve poco predispuesto…¿otra historia tratando el mundo infantil? ¿Cuántas películas han traído este año con esta temática? Yo creo que he visto como cinco películas con niños como protagonistas y ya estaba un poco cansado.

Por lo tanto, poco me dijo la historia y no presté demasiada atención, se acercaba el fin del festival, estaba un poco triste y abotargado de tanto cine.

Lugar:Cines Centro Sala 3. Fecha: sabado 29 Noviembre, 19:45 h. Sección: Sección oficial

PALMARÉS:

Mejor largometraje:
“Liverpool” de Lisandro Alonso

Mejor director:
Sergey Dvortsevoy por “Tulpan”

Mejor actor (ex aequo):
Micheal J. Smith y JimMyron Ross por “Ballast”

Mejor actriz:
Tarra Riggs por “Ballast”

Mejor guión:
Sylvie Verheyde por “Stella”

Mejor dirección artística:
David Polonskey por “Waltz with Bashir”

Especial del jurado":
“35 Shots of Rum” de Claire Denis

Premio Fipresci:
“Una semana solos” de Celina Murga

Jurado joven al Mejor largometraje:
“Waltz with Bashir” dirigido por Ari Folman

En general me han gustado los resultados de este año. Liverpool, con su propuesta arriesgada y por los lazos que unen al director con el festival (a nivel personal seguro pero sobre todo a nivel filosófico) era una de las películas favoritas para llevarse el gato al agua y así termino siendo, bajo mi punto de vista con una justicia total.

Respecto a que Ballast copase todos los premios actorales también estoy de acuerdo, una de las pocas películas en las que las actuaciones destacaron por encima de guiones y demás conceptos.

También estoy contento por el reconocimiento a “Waltz with Bashir”, película emocionante (quizás demasiado) donde las haya. Teniendo en cuenta la situación actual en Gaza da miedo recordar las últimas imágenes de este film.

La nota graciosa la pone el premio a “Una semana solos”. Que esta película aburrida, simple y hueca esté recibiendo tantas buenas críticas me parece un tanto alucinante, aunque supongo que mucho de todo esto se lo deberá a su padrino Scorsese

46 Festival internacional de cine de Gijón Parte IV

2008-12-02T20:08:00.000+01:00

14 – Ballast: El cineasta Lance Hammer venía con el premio al mejor director del pasado festival de Sundance por su trabajo en esta obra. Drama racial cuya trama gira en torno a las consecuencias que el suicidio de una persona produce en las vidas de sus más allegados.

Aunque con semejante premio podría hablar largo y tendido de este hasta ahora desconocido Lance Hammer, al parecer un valor en alza del cine norteamericano (cuan acostumbrados estamos al discurso cinematográfico estadounidense y como nos cuesta acoplarnos a las propuestas mas alternativas de otros países), me gustaría destacar la actuación actoral en este largometraje. El actor amateur Michael J. Smith ralla la brillantez más absoluta y llega a recordar al Forest Whitaker mas inspirado de películas como Bird o incluso Smoke, con ese deje medio embobado y solemne.

Lo peor: Para un asiduo a los cines, no resulta extraño que en los cines Centro de Gijón uno se tenga que levantar a la mitad de la sesión a pedir a los trabajadores que enfoquen correctamente el film. Lo que ya no me esperaba tanto es que me sucediese lo mismo en el marco de un festival internacional.

Lugar: Cines Centro Sala 5. Fecha: jueves 27 Noviembre, 22:15 h. Sección: Sección oficial

15 – Hey Hey, It´s Esther Blueburger: Originariamente el festival de cine de Gijón estaba dedicado al cine infantil. Supongo que debido a ello se conserva esta sección (Enfants Terribles) en la que se proyectan largometrajes y cortos enfocados principalmente al publico menor de edad. No obstante uno se puede encontrar con gratas sorpresas y con un cine bastante mas adulto de lo que en un principio se podría suponer.

Con un marcado amaneramiento indie (banda sonora peculiar, temática de adolescente frikazo, etc) se nos presenta esta película que no es otra cosa que la típica historia de una niña que se siente desplazada en su colegio y busca y encuentra otra manera de vivir la vida, mas acorde con sus gustos.

En esta ocasión la particularidad viene dada por el origen judío de nuestra pequeña protagonista, lo cual impregna de graciosas y delicadas referencias a dicha religión toda la cinta.

Película agradable y de bella factura pero a estas alturas poco original por su estilo.

Lugar: Cines Centro Sala 3. Fecha: viernes 28 Noviembre, 12:30 h. Sección: Enfants Terribles.

16 – Berlin Calling: Es bueno acercarse a otros mundos musicales alejados de los parámetros que uno suele disfrutar. Voy a ser sincero y quiero dejar claro que a mí la música de discotecas no me dice nada, pero tengo que admitir que disfruté enormemente esta película, aun siendo el retrato de las experiencias vitales de un DJ en la voluptuosa noche berlinesa. Estoy seguro que a la salida del cine más de un escéptico nos hubiésemos metido en una de esos afters a disfrutar de una pinchada de la mano del DJ Ickarus.

Eso si, en si la historia no es muy original: Artista cuya vida de excesos va desgastando poco a poco hasta tocar fondo y que acaba encontrando salida al callejón sin salida en que se convierte su vida a través de la única cosa que en verdad ama y nunca le abandona, su arte.

No obstante, con una factura impecable tanto en los momentos lúdicos como en los dramáticos y con ecos de películas tan alejadas entre sí como “Alguien voló sobre el nido del cuco” o “Trainspotting” (salvando las distancias, por supuesto), una de las sorpresas agradables del festival. Esperemos que finalmente reciba algún premio en forma de distribución en las carteleras españolas, como se está reclamando con insistencia por la red.

Lugar: Cines Centro Sala 3. Fecha: viernes 28 Noviembre, 17:00 h. Sección: Sección oficial (no competición)

17 – Waltz with Bashir: Película de marcado carácter político, y de la misma manera que en “Chicago 10”, rodada en su práctica totalidad como un film animado y haciendo apenas uso de otros recursos. Eso sí, las imágenes de archivo son de los mas escalofriante.

Sin duda alguna, esta es una película que conmueve, muy lograda y con imágenes muy brillantes. Lo primero que llama tu atención es comprobar como el uso de la animación se compenetra tan bien con el tratamiento de temas serios y duros. A través de esta historia de sueños, recuerdos y, seamos sinceros, verdades como mínimo partidistas (indagando un poco por Internet, he leído que defiende el punto de vista oficial del gobierno israelí), se nos va descubriendo y adentrando en el relato de la vigilancia armada de los campos de refugiados en El Líbano y de las barbaridades que allí se cometieron.

Lo peor: Empiezan las despedidas y está es la última proyección a la que acudimos en el teatro Jovellanos. Hasta el año que viene.

Lugar: Teatro Jovellanos. Fecha: viernes 28 Noviembre, 22:30 h. Sección: Sección oficial

46 Festival internacional de cine de Gijón Parte III

2008-11-29T13:52:00.000+01:00

A estas alturas de la semana ya nos empieza a costar saber que película vamos a ver cuando entramos en la sala de turno, pero ahí seguimos:

9 – A Song of Good: Película neozelandesa sobre el descenso a los infiernos de un pobre diablo: Una típica historia de pecado y búsqueda de redención, al que su triste y cruel pasado acaba por encontrar y destrozar.

Cuando nuestro protagonista toca fondo todos sabemos e incluso el mismo también, que ya es demasiado tarde para arreglar las cosas con un simple “lo siento”. No obstante se enfrenta a sus angustias e intenta arreglar el desaguisado en el que vive a base de trabajo y amor en sus relaciones familiares. Todo en vano.

Film entretenido con una temática alternativa pero sin demasiados alardes visuales ni originalidad en su guión.

Lugar: Cines Centro Sala 3. Fecha: martes 25 Noviembre, 12:30 h. Sección: Sección oficial (no competición).

10 – Liverpool: El director Lisandro Alonso aparece junto con un productor de dudoso gusto para los trajes antes de comenzar la proyección. Nos dice que esta algo nervioso, que se siente como en casa (no en vano, en los agradecimientos mi avispada acompañante detecta la presencia del director del festival) y que nos invita a disfrutar de la noche gijonesa posteriormente. Que tío, ¿quién va a tener ánimo de salir de fiesta después de ver una película como esta?

Este cine minimalista puede resultar sin duda pesado, pero con el estado de ánimo adecuado y ante cosas bien hechas, puede llegar a proporcionar sensaciones poco conocidas ante una pantalla de proyección. Estamos ante el caso de un pequeño film que con un guión de no más de 20 páginas, describe el viaje físico y vital de un marinero hacía su pueblo de nacimiento, hacía su anciana madre y hacia una hija abandonada.

Sin parecer contar nada, pero con detalles como la omnipresencia de la botella, el silencio solitario de nuestro protagonista o el gélido paraje, el espectador se va adentrando con intensidad en este drama misterioso de planos suspendidos y escenarios naturalistas.

Un cine, este sudamericano, con sus biorritmos particulares, altamente pretencioso para algunos, simplemente genial para otros.

Lugar: Teatro Jovellanos. Fecha: martes 25 Noviembre, 20:00 h. Sección: Sección oficial.

11 – La Cienaga y 13 – Una Semana Solos: Me salto el orden cronológico y agrupo estás dos películas dado que ambas me produjeron la misma sensación: Sopor.

De mano, buenos augurios: Por una parte teníamos la opera prima de Lucrecia Martel, premiada en Berlín. Por otra un film apadrinado por el mismísimo Martin Scorsese.

Ambas historias tienen varios puntos en común: una temática similar con las relaciones de un grupo de niños y de una familia como fondo para “explicar” otros conceptos, un origen geográfico común, Argentina (¿Los argentinos y los españoles hablamos el mismo idioma? Yo creía que sí, pero en estas películas entendía poquísimo de lo que decían, me tenía que guiar por los subtítulos en inglés!!!!), un ritmo lento, una sutileza para destilar pequeños detalles con los que rellenar la historia…

Quizás un poco más tendiente al realismo mágico la primera y con un objetivo claro de ejemplarizar como en el mundo actual todavía existen grandes diferencias entre clases, en la segunda.

Todo muy guapo, pero yo me aburrí soberanamente. El peligro de hacer películas en las que parece que no pasa nada, es que a veces el espectador se queda con la sensación de que realmente no pasa nada. Todo lo que en el film comentado anteriormente (Liverpool) me parecieron aciertos, en esta ocasión se me hizo pesado y eso que la propuesta de Lisandro Alonso es mucho mas austera

Lugar: Gijón Sur. Fecha: miércoles 26 Noviembre, 19:45 h. Sección: Ciclo Lucrecia Martel (11).

Lugar: Teatro Jovellanos. Fecha: jueves 27 Noviembre, 20:00 h. Sección: Sección oficial (13).

12 – Roskilde: Única oportunidad de visitar la sección Desorden y Concierto. Me sabe un poco mal que este año la sección se haya quedado un tanto coja, cuando en otras ediciones era una de mis favoritas, con grandes documentales.

Documental que nos acerca al festival de música Roskilde, que se lleva a cabo en Dinamarca cada año desde 1971. Toda bacanal de varios días en torno a la música, por la que han pasado lo mas granado de la música internacional y cuyo mayor punto negro es la muerte de 9 asistentes en la edición del año 2000, durante la actuación de Pearl Jam.

Como se trata de captar la esencia del festival, además de las típicas actuaciones musicales (joder, prácticamente ningún grupo me gustaba) se presenta a diversos asistentes (ojo a este inquitante individuo, BUBLE MAN!!!), a los organizadores y a parte de los 20000 voluntarios que allí trabajan.

Al final, después de ver a los personajes que por allí pululan, me quede con una duda: ¿Será la música la principal motivación para acudir a este festival?

Lugar: Cines Centro Sala 1. Fecha: miércoles 26 Noviembre, 22:15 h. Sección: Desorden y Concierto.

46 Festival internacional de cine de Gijón Parte II

2008-11-26T12:34:00.000+01:00

Seguimos comentando las películas que vemos en el festival:

5 – Red Hollywood: Parece que hay una serie de pautas que se repiten, por lo menos para mí, como visitante de festival. Una de las normas no escritas es que mas tarde o mas temprano vas a dar con un truñazo de cuidado, y efectivamente, esta es la peor película que he visto este año.

Documental sobre la caza de brujas en el mundo del cine en los años de la guerra fría, se intentaba dar una visión acerca de los mensajes políticos que los incluidos en las listas negras introducían en sus películas. Hasta aquí todo bien, el tema puede parecer interesante, pero bajo mi punto de vista el planteamiento hace aguas por todas partes. Un enorme corta y pega de secuencias de distintas películas, casi sin contextualizar, puede llevar al bostezo. No la vi acabar.

Lo peor: Dentro de lo malo que es ver una película que no te gusta, si encima el entorno no facilita las cosas, el tema puede tomar tintes cómicos. Delante de mí se sentó un tío alto que no paro de moverse de un lado a otro por que no veía bien los subtítulos (no te jode, como los demás), convirtiendo la película en un coreografía que teníamos que seguir todos los que estábamos detrás de él. Gentuza!!!! Y por otra parte, dejen ya de poner películas en el “Antiguo Instituto”, aunque el lugar sea hermoso, no está preparado para ello

Lugar: Antiguo Instituto. Fecha: domingo 23 Noviembre, 17:00 h. Sección: Utopía Yanki

6 – A Complete History of My Sexual Failures: Un joven director británico tiene problemas en sus relaciones sentimentales y sexuales, ¿habrá mejor manera de solucionarlos que hacer una película en torno a ello? Eso si, vamos a quitarle al tema la carga intelectual de, por ejemplo, un Woody Allen, y nos centraremos, puesto que tenemos poca pasta, en hacer una suerte de gran hermano guionado y con la posibilidad de producir muchos momentos graciosos.

Pos eso, estamos ante una película muy graciosa, con grandes momentos de humor mas o menos fino y con un aspecto de tele-realidad que lo hace todo mas pintoresco. Quizás en ocasiones el argumento se agote, y la conclusión (“No se me levanta por que una vez tuve una novia muy buena pero la dejé escapar”) se vea venir a leguas, pero como creo que el objetivo era mas bien lúdico que profundo me marcho para casa con una sonrisa en los labios y a otra cosa.

Lugar: Cines Centro Sala 4. Fecha: domingo 23 Noviembre, 20:00 h. Sección: Sección oficial

7 – Morvern Callar: Dentro del ciclo “Una parte del cielo” dedicado a las directoras europeas del nuevo siglo se nos presentó la ocasión de ver esta película.

El argumento gira en torno a las experiencias de la joven novia de un escritor durante las semanas posteriores al suicidio de éste. A partir de una reacción poco usual (esconder el cadáver y suplantar su identidad a nivel de escritor) se empieza a generar un aura un tanto claustrofóbica, que nos lleva de pequeñas fiestas bacanales a desiertos españoles, o de típicos viajes turísticos británicos a momentos de íntimo fervor religioso en cementerios.

Por lo tanto, un buen montón de imágenes icónicas (¿demasiadas?) se van sucediendo de un modo un tanto atropellado, dando lugar a la desorientación, pero generando un estado de ánimo en el espectador, más que persiguiendo relatar una sucesión lógica de hechos.

Lugar: Cines Centro Sala 1. Fecha: lunes 24 Noviembre, 17:00 h. Sección: Una parte del cielo

8 – Acrobats: Leo el argumento, pinta bien: Historias cruzadas en Tokio, esa extraña ciudad. Llego a la sala, resulta ser una película española. Yo no soy mucho de cine español (por no decir nada), y que antes de la proyección me expliquen lo poco que costó hacerla y la ilusión que han puesto en ella pues no me tranquiliza precisamente.

El caso es que la película empieza un poco lenta, pero poco a poco pilla ritmo y las tres historias que se narran van tomando cuerpo. Buenos actores, paisajes poco usuales de la ciudad, historias originales, se capta esa esencia de locura en la que desde un punto de vista europeo parecen vivir los japoneses. Resultado: gran película de cine independiente, concisa y efectiva.

No se que será de este Daniel Lavin (Director), pero por ahora su única bala a resultado devenir en un disparo certero. Si consigue mantenerse alejado de la constricción de las subvenciones gubernamentales quizás pronto podamos tener un director de gran magnitud. Para empezar la cosa pinta mal, rodar el Making off de la próxima película de la inaguantable Isabel Coixet no parece una gran oportunidad, pero yo, por ahora, me mantendré a la escucha.

Lo peor: Esto también pasa todos los años, hay sesiones en las que en las salas parecen saunas, que se le va a hacer.

Lugar: Cines Centro Sala 2. Fecha: lunes 24 Noviembre, 20:00 h. Sección: Llendes

46 Festival internacional de cine de Gijón Parte I

2008-11-24T13:58:00.000+01:00

Vuelve el festival de cine a Gijón y yo y mi novia volvemos a las salas de los cines Centro o al teatro Jovellanos o al Antiguo Instituto (el peor lugar posible para ver una película, todos los años igual de lamentable) o incluso hasta Gijón Sur, y es que este año ya nos hemos tenido que desplazar a todos los posibles recintos.

Sin más rodeos empiezo con las películas que hemos visto por ahora:

1 – Chicago 10: Primera película de este año, un documental sobre los acontecimiento que sucedieron en la ciudad de Chicago durante una convención del partido demócrata durante los años de la guerra de Vietnam. Contracultura, hippies, yippies, MC5, cargas policiales contra manifestantes pacifistas, detenciones y finalmente un juicio contra los principales promotores de las protestas.

Un film con nervio, a ratos tiraba de imágenes de archivo, a ratos se convertía en una película de dibujos animados. Con el simple objetivo de golpear en la consciencia y de hacer pensar en si todas esas luchas han servido de algo, te hace cuestionarte tu libertad y si a estas alturas tendrías lo que hay que tener para participar en una revuelta de semejantes dimensiones (cada día que pasaba se nota como la presión va incrementándose hasta acabar con una cargas policiales brutales, por lo que parece) o si incluso algo así tendría sentido en un mundo tan anestesiado.

Lo peor: Rage Against the Machine no pueden ser una buena banda sonora para un film político, no se creen ni ellos lo que cantan.

Lugar: Cines Centro Sala 1. Fecha: jueves 20 Noviembre, 22:15 h. Sección: Utopía Yanki

2 – Three Monkeys: La película exótica de este año, ambientada en el Bósforo, esta es la historia de una familia turca que ve como un día el padre es ingresado en la cárcel por un delito que no cometió previo pacto de una indemnización por parte del verdadero culpable. Como estas cosas de jugar con la justicia no están bien, según va pasando el minutaje todo se va complicando, hasta que llegamos al irónico y triste final.

Con un ritmo tranquilo, incluso crispante en el inicio, y haciendo hincapié en los bellos parajes turcos, la sensación final es la de haber visto una buena película a la que su origen redime de ciertos pecados (la historia del hermano muerto espero no haberla entendido por que me pareció una autentica tontería).

Lugar: Teatro Jovellanos. Fecha: viernes 21 Noviembre, 20:00 h. Sección: Sección oficial

3 – Oso Blanco: En Puerto Rico hay muchas cárceles, Oso Blanco es una de ellas, seguramente una de las más duras del país. Aunque a día de hoy ha sido cerrada y es utilizada para realizar excursiones de colegios al mas puro estilo que viene el hombre del saco (“Si eres malo vas a acabar aquí”), en otro tiempo sucedieron cosas realmente atroces.

A través de los recuerdos de varios delincuentes y funcionarios de prisiones, se describe el día a día en el lugar, se relata el origen de los gangs carcelarios y se plantean dudas en torno al verdadero éxito de un sistema judicial que se basa en el confinamiento como modo de enderezamiento para gente de muy turbada moral.

Aunque para mí este ha sido un film muy ameno e incluso emocionante por momentos (presos y carcelarios llorando el día que tenían que abandonar “su casa”), tengo que admitir que a mi acompañante todo aquello le pareció bastante sórdido (tremenda historia la del partido de futbol que se marcaron los presos con la cabeza de un individuo) y lo peor de todo, aburrido.

Lo peor: en invierno hay que encender las calefacciones y apagar el aire acondicionado, no al revés!

Lugar: Gijón Sur. Fecha: sabado 22 Noviembre, 17:00 h. Sección: Esbilla competición documental

4 – Wendy and Lucy: En esto del cine y seguramente en el arte en general, las cosas pueden llegar a ser muy raras. En cuanto me enteré de que la directora de esta cinta era Kelly Reichardt la quise ver. Quizás esto no tenga nada de particular, pero es que hace dos o tres años vi en el festival otro film suyo, Old Joy, y lo aborrecí con todas mis fuerzas, literalmete casi me duermo en el cine. Sin embargo es curioso como con el paso del tiempo el recuerdo de esta extraña película fue creciendo en mí.

Otra vez un guión aparentemente simple y otra vez parece que no pasa nada, pero en esta ocasión ya sabíamos donde nos metíamos y salimos muy pero que muy satisfechos.

Esta es la historia de la búsqueda de un lugar mejor, es la historia de cómo nos aferramos a las cosas que tenemos, es la historia de como estar solo en un lugar desconocido y sobre todo, es la historia de cómo las pequeñas acciones cotidianas pueden llegar a retratar a cada persona, bien como tremendamente cruel (ese tendero de supermercado) o bien como tremendamente buena (el vigilante de seguridad que te deja su móvil).

Si no recuerdo mal, en esta ocasión hay mucho mas dialogo y los golpes de efecto (por decirlo de alguna manera) son un poco más bruscos, pero creo que al final el film también irá creciendo poco a poco dentro de cada uno y eso es muy grande.

Lugar: Teatro Jovellanos. Fecha: sabado 22 Noviembre, 22:30 h. Sección: Sección oficial

Beach Boys - Pet Sounds

2008-09-21T12:29:00.000+02:00

El último disco que ha pasado a engrosar mi colección de material audiovisual no es otro que el mítico Pet Sounds, de los Beach Boys. La verdad es que no es un disco nuevo para mí, tengo una triste copia en cd desde hace más de una década, y aunque en estos años he tenido muchas oportunidades de salir de una tienda con él, no ha sido hasta ayer, cuando por un precio ridículo (6,90 euros) me pude hacer con la edición especial del 40 aniversario, que me decidí a llevármelo a casa. En esta edición se incluye un cd con la música en formato mono y stereo y un dvd, el cual no he podido ver todavía, con reportajes como el típico “como se hizo”, una entrevista con Brian Wilson y alguna que otra golosina.

Sobre la música, poco nuevo voy a poder aportar yo. Obra puntera siempre en las listas de mejores albums de la historia, todo crítico que se precie jurará que escucha este disco todas las noches antes de ir a la cama. Lo mío, sin embargo no es tan radical. Como muchas veces, el exceso de belleza puede llegar a ser doloroso, y este disco para mí está asociado a noches frías en una triste Navidad, a la melancolía, a la genialidad enajenada de Brian Wilson,… Vamos, que podría empezar a escuchar este disco con una cerveza en la mano y acabar en la cama con un chocolate caliente.

En 1966 Brian Wilson rompía la imagen de banda surfera que se tenía de los Beach Boys y tras escuchar el Rubber Soul de los Beatles un mundo nuevo se le apareció. Si algo se puede destacar a primera vista es la cuidada producción: arreglos orquestales por todas partes, campanillas, vientos, múltiples gamas de órganos y mil cosas más que suenan y que solo una mente en otra dimensión pudo llegar a imaginarse y fundir en este mágico sonido. Por supuesto, esto es un disco de los Beach Boys, y por lo tanto ahí están esos fabulosos coros, a la postre única aportación real del resto del grupo. Respecto a las composiciones, este es el disco de “Wouldn’t It Be Nice”, “Sloop John B” y “God Only Knows” entre otras gemas. Quizás falto de un gran single (la que se hubiese liado si se hubiese incluido “Good Vibrations”), la heterogeneidad en el nivel compositivo a acabado por ayudar a mitificar aun más el álbum como conjunto.

No es muy difícil imaginar la cara de asombro que pusieron los mandamases de Capitol al escucharlo. En esas oficinas se pudo empezar a fraguar la locura de un Brian Wilson, que exhausto no pudo asimilar la incomprensión de la discográfica e incluso de su grupo hacia lo que él consideraba su obra maestra. A partir de aquí, decadencia, personal para Brian y a nivel de ventas y fama para los Beach Boys, que aunque editaron algún gran disco posteriormente nunca más volvieron a ser lo mismo.

Una obra maestra, visionaria y que abrió muchos caminos. Puede hacerse difícil de escuchar, pero como todos los grandes discos, te va haciendo mella hasta acabar por conquistarte.

Pearl Jam - Live at the Gorge

2007-07-19T13:45:00.000+02:00

La vida tiene estas cosas, un día estas en un bar tranquilamente o esperando un tren y se produce un reencuentro casual con un amigo del que hacia tiempo del que no sabías nada. A veces pasa, las circunstancias te alejan de ciertas cosas que otrora fueron muy importantes para tí.

Para mí esto es lo que supone este disco, el reencuentro con Eddie Vedder y compañía.

Quizás llegue un poco tarde, podía haberse producido tras su muy recomendado último disco en estudio, o quizá este sea como una de esas noches de juerga en la que te encuentras con una ex y todo acaba por ponerse incomodo, yo que se. El caso es que estoy escuchando en este preciso momento el “Live at the Gorge”, una recopilación en siete cds de tres conciertos que Pearl Jam llevo a cabo a lo largo de dos años en el bonito paraje de Gorge.

Es fácil emocionarse cuando uno escucha temas como “Rearviewmirror”, “State of love and trust”, “Betterman”, “Alive” o “Jeremy” y por otra parte poco a poco estoy descubriendo temazos como “Low Light” o la versión de Victoria Willians “Cray Mary”. Me resulta sorprendente ver como las canciones que desconozco se compenetran tan bien en el directo con los clásicos de la trilogía inicial.

Uno puede echar la vista atrás y cabrearse con la trayectoria seguida por el grupo. El amuermamiento que se produjo tras el Vitalogy seguramente, como en mi caso, echo para atrás a muchos de sus viejos seguidores. Pero el tiempo pasa y tras mas de 10 años la percepción que de la banda se tiene en la actualidad no es otra que la de una segunda juventud, una madurez tremendamente coherente que les ha permitido conservarse perteneciendo a una raza en claro peligro de extinción.

Será el tiempo quién decida, pero en este momento se me antoja que la sombra de Pearl Jam es bien grande, con unos conciertos multitudinarios por donde quiera que van, y a poco que sean capaces de sacar una serie de buenos singles (no hacen falta tremendos clásicos como Ten, VS y Vitalogy) que universalicen aún más su figura, el futuro podría convertirse para ellos en el presente de los mismísimos Rolling Stones a nivel de reconocimiento.

Elucubraciones aparte, ahora empiezo mi verano. Espero que esta pueda ser una bonita época de largos atardeceres, luces de velas, besos en la mejilla y de, por que no, reencuentro con la música de Pearl Jam.

Elliott Smith - Live at Black Cat 1998-04-17

2007-03-18T23:43:00.000+01:00

Elliott Smith es, según la correspondiente entrada en wipimedia, un cantautor estadounidense de indie pop. Nació el 6 de agosto de 1969 y murió el 21 de octubre de 2003, con la edad de 34 años. La causa: Suicidio.

Su música era una especie de melodioso pop triste y melancólico, con esa voz suya que siempre sonó tan desvalida en primer plano. Y es que ya fuese sobrevolando canciones prototípicas de cantautor guitarra acústica en mano o momentos más ricos instrumentalmente hablando (cuando llego el dinero pudo recubrir su sonido con producciones mas elaboradas), todo en su obra puede ser englobado en la máxima “Nunca la belleza sonó tan triste”.

Influencias son claramente Beatles, Nick Drake, Brian Wilson, Tim Buckley o Big Star. Pop y cantautores vamos. Completar la lista con lo que se os ocurra. Dejo una breve discografía, 5 discos en vida mas uno póstumo (en breve creo que se va a lanzar una colección de inéditos) en el que trabajaba en el momento de su muerte. Su momento de máximo reconocimiento comercial tuvo lugar con la interpretación en la gala de los oscar de 1997 del tema “Miss Misery” perteneciente a la banda sonora de “El indomable Will Hunting”.

En estas últimas navidades pase una época dándole vueltas a la figura de este hombre, leyendo cosas por ahí, viendo fotos y videos (físico particular), rastreando webs (increíble la cantidad de rarezas y lives que ha dejado), enterándome de anécdotas – me hizo gracia leer la historia de “su tatuaje Ferdinand, un toro bueno que en el ruedo huele las flores arrojadas por el público en vez de pelear con el torero” y me emocionó comprobar el grado de compromiso que tenía con su arte, que le llevo a dejar de interpretar en conciertos la canción por la que estuvo nominado a los oscar-, intentando entender a la persona y lo que había detrás de estas melodías.

El concierto que aquí os presento es una oportunidad de acercarse a lo que debían ser las noches en las que Elliot Smith se subía a un escenario con el único acompañamiento de su guitarra El 17 de abril de 1998 tocaba en la ciudad de Washington en el club Black Cat. Presentaba canciones de sus 4 primeros discos, principalmente del “either/or”, mas alguna rareza y versiones de Lennon, Big Star y los Zombies. Sonido pulcro, audiencia entregada, interpretaciones sentidas, en fin, un lujo.

Y como todo lo que ha hecho este hombre a mí me produce una intensa sensación de angustia: por lo que pudo ser, por lo que fue o por lo que debería ser.

El concierto en esta página dentro de su archivo en internet:

http://www.archive.org/details/esmith1998-04-17.flac

Danzig II - Lucifuge

2007-03-10T01:09:00.000+01:00

Hay días en los que la vida te trata mal. Uno se levanta y siente un escalofrío… miedo. Por alguna o algunas estúpidas razones, el día se acaba convirtiendo en una autentica pesadilla. Que se yo, igual te has pasado todo el día currando para acabar pillándote una mojadura en el trayecto desde el coche a casa. Quizás tu jefe te ha estado dando por el culo más de lo normal y a algún plasta insoportable se le ha ocurrido que este sería un buen momento para dar por culo. Mil razones.

Bien, pues es la hora de cerrar los ojos y perderse en otras dimensiones.

Imaginémonos un mundo de tenebrosas siluetas recortadas en el horizonte, un mundo de blues en pantanos, ciénagas de New Orleáns y cementerios visitados por morbosas mujeres a la hora de la brujería. Imaginemos clubes oscuros de sadomasoquismo extremo, llenos de dominatrices que no conocen el termino “marcha atrás” y tipos cuya única vestimenta es una mascara que a duras penas les deja respirar. Crucifijos invertidos, tronos, amores que queman, calaveras, Dioses que matan, aullidos, madreeeessss…

Un lugar encantador sin duda, el hogar del inigualable Gleen Danzig. Cantante original de los legendarios Misfits, a finales de los ochenta y tras un breve paso por la banda Samhain, decide poner en marcha su grupo definitivo para poder dar rienda suelta a todas esas locas ideas que se funden de un modo tan natural en su cabeza. Que si un poco de Elvis, que si otro poco de satanismo, la dosis justa de Black Sabbath y una buena sacudida de “gótico americano". Influencias que van desde el blues mas arrastrado hasta el hard rock mas poderoso, lo que sin duda consiguió Gleen con su grupo Danzig (¿para que complicarse con el nombre, no?) es dejar un brillante legado que incluso le ha llegado a eclipsar en los últimos años de su trayectoria.

La mayor gema de su discografía es para muchos su segundo álbum conocido como II – Lucifuge. En ella se dan la manos bluses salvajes (“I´m the one”), melancólicas baladas dignas de ser entonadas por el mismísimo Roy Orbison (“Blood And Tears”), aullidos hard rockeros que claman por la vuelta al infierno (“Long way back from hell”), lamentos amorosos y mujeres cautivadoras (“Girl”, el himno “Under her black Wings” o la maravillosa “Devil's Plaything” con esa intro tan delicada). La producción del artefacto corre a cargo de un tal Rick Rubin y este, como casi siempre, sabe sacar lo máximo del artista de turno. Destaca sobre todas las cosas esa voz tan tremenda de Danzig, pero es que el trabajo de guitarras es impresionante, slides, dulces punteos, riffs abrasivos, melodía. ¿Es esta la verdadera música del diablo?

Queda claro que cada nota de este disco huele a clásico imperecedero, imposible de aburrir, se te cala de tal manera que cualquier día mierdoso puede acabar convirtiéndose en una fantasía gótica de mujeres exuberantes y gritos diabólicos. Hay que tener este disco.

De Trent Reznor a Johnny Cash: I hurt myself today…

2007-02-27T00:34:00.000+01:00

Si hay una canción desoladora para mí, esta es sin duda Hurt de Nine Inch Nails. Punto final del demoledor Downward espiral, toda la rabia que éste concentra encuentra una conclusión reflexiva e intimista en los poco mas de 4 minutos que dura este tema (distorsiones a parte). Hito en la historia del grupo, se puede afirmar sin miedo al ridículo que estamos ante una de las grandes canciones de la década pasada y podemos asegurar también que nunca un tema tan doloroso resultó tan cautivador. Estructura incremental, salimos de unos simples arpegios y una voz pausada para llegar a un grito diluido en un tremendo gruñido de guitarra. Por el camino, un ritmo pausado y firme hace que la percusión solo haga acto de presencia en las dos veces que se alcanza el estribillo. Y envuelto en este manto sonoro extremadamente melodioso encontramos una letra dura como pocas: El dolor como respuesta, la autenticidad del dolor, arrepentimiento tardío.

“¿En qué me he convertido?, mi dulce amiga
Todos los que conozco se van al final
Y tú podrías tener mi imperio de suciedad
Te decepcionaré, te haré daño.”

El caso es que el poder de esta canción no se ha quedado solo en su interpretación original y ahí es donde entra la figura de Johnny Cash que decidió interpretarla en el cuarto volumen de sus American Recordings, llegando incluso a comentar que se sentía tan identificado con el tema que el mismo podía haberlo escrito en sus años mas terribles. Interpretación soberbia, son muchos los que opinan que supera incluso al original y no seré yo quién les lleve la contraria. El hecho de pertenecer al último LP editado en vida por MR. Cash le concede una atracción especial y de nuevo podemos asegurar que nos encontramos ante uno de los grandes temas de la década en la que surge. Este cuarto volumen de la colaboración entre el afamado productor Rick Rubin y Cash es conocido como "the man comes around" e incluye otra maravillosa serie de canciones, en la que se intuye, mas que nada debido al tono quejumbroso y oscuro de la obra, a un Johnny Cash dando los últimos alientos de su vida.

El clip rodado para la ocasión, en el que se alternan imágenes de un Johnny Cash muy desmejorado con momentos de su juventud o de su muy amada esposa June Carter Cash, alcanza sin duda el grado de emocionante.

Dos grandes artistas unidos por una canción, esperemos que la carrera de Trent llegue a ser recordada algún día como lo es hoy la de Johnny Cash.

Letra de Hurt (en castellano sudamericano):

http://xooel.wordpress.com/2006/11/11/hurt-so-bad/

Screaming Trees - Unreleased Album

2007-02-22T00:46:00.000+01:00

Paul Auster es el escritor americano que este año gano el premio Principe de Asturias. Como muchos buenos artistas tiene un mundo particular y entre las obsesiones que de este podemos percibir a través de sus obras esta la fascinación por el arte inacabado o el arte perdido.

En esto de la música podemos encontrar bastantes casos de esta situación y sirvan como ejemplo los aproximadamente 30 años que el disco “Smile”, obra que Brian Wilson quería como sucesora del muy reputado “Pet Sounds” para los Beach Boys, pasó en el ostracismo o en menor medida los dos discos perdidos “Tall” y “Band” que recientemente han sido recopilados en “The Lost Crowes” de los Black Crowes.

Bien, pues el disco del que quería hablar se encuentra entre esa serie de discos olvidados o apartados por las circunstancias de la vida. El grupo, Screaming Trees, el disco… pues no se que nombre iba a tener, aunque en la red lo podéis encontrar bajo el muy original titulo de “Unreleased Album”.

Todos tenemos fresca en la memoria la figura de Kurt Cobain, cantante y compositor en Nirvana. Su repentino éxito haya por 1992 hace que un puñado de grupos de la ciudad de Seattle salgan a la palestra (A.I.C., Soundgarden, Pearl Jam) y conquisten el mundo. Sin embargo hubo otras formaciones en aquella época en la ciudad, algunas de ellas bandas de culto, una de ellas los Screaming Trees.

Las canciones que se encuentran en este “Unreleased Album” son el fruto de unas sesiones que tuvieron lugar allá por la primavera de 1994. Después de 6 discos a sus espaldas y con el portentoso precedente que supuso Sweet Oblivion se

dispusieron a encerrarse juntos en el estudio para lo que debía ser su obra definitiva. Era el momento, era el lugar y claro, todo se fue al traste. A duras penas consiguieron registrar 8 o 9 canciones (depende de las fuentes que consultes). Falta de comunicación entre los miembros, drogas y lo que pareció ser la puntilla definitiva, la muerte del colega Kurt. El grupo no podía mas, agotados, sin alma, sin inspiración, sin aspiraciones… Se dan por concluidas las sesiones, las canciones nunca son puestas en el mercado y a los dos años, tras el necesario periodo de descanso el grupo publica “Dust”, una obra de belleza irreal, con una producción practicamente irreal a cargo de George Drakoulias, con auténticos hits que crecen tras cada escucha, pero que llegaba demasiado tarde: momento pasado, repercusión prácticamente nula, el grupo termina por separase.

La musica producida en estas sesiones se encuentra en un estado totalmente pulido y producido (nada de sonido demo) y supone un punto medio entre el estilo mas garage de los primeros discos del grupo y ese lirismo cuasi religioso de su última obra. CrawlSpace, es un magnifico medio tiempo con una guitarra repitiendo una y otra vez la misma estructura a lo largo de toda las estrofa, para llevarnos a un emocionante cambio de ritmo, con la voz de Lanegan alcanzando una seguridad y profundidad que hasta este momento no se le percibía. Anita Grey es la canción más garagera y por lo tanto, la que más nos remite a tiempos pasados. Se presenta en dos tomas distintas, una más dura, la otra más lírica. Estribillo poderosamente adictivo quizás esta es la canción que les pudo hacer famosos. Revelator sin duda alguna es lo más cercano a "Dust" que salio de aquellas sesiones, con un estribillo en el que la voz principal es envuelta con unos coros perfectos, en todo momento se percibe un emocionante increscendo que acaba con la gruitarra rugiente de Gary Lee Conner.

Hacer hipótesis sobre si la salida al mercado de este disco podía haber traído como consecuencia el éxito del grupo no parece ser un debate precisamente noble o demasiado relevante (no para aquellos a los que solo nos importa la música), pero recordar y contribuir a que estas grandes canciones perdidas en el tiempo no caigan en el olvido no esta de más, tratándose como se trata de una de las mas importantes formaciones que surgieron en esa maravillosa decada para la música que fueron los 90. Y además tiene su morbo acercarse a algo tan especial, no?

Woven Hand : Consider the birds - Mosaic

2007-02-17T11:01:00.000+01:00

En la contraportada del álbum “Consider the birds” hay una cara. Una cara que asoma desde la oscuridad y a la que algo en las alturas parece inquietarla. Ceño fruncido, duda quizás. Señoras y señores, acaban ustedes de conocer a mister David Eugene Edwards.

Año 1992, tras el paso por diversas formaciones a caballo entre Los Angeles y la definitiva Denver, nuestro protagonista junto con Pascal Humbert fundan la tremenda banda 16 horsepower a los que posteriormente se les incorporará Jean-Yves Tolà y Jeffrey-Paul Norlander (viejo compañero de David en bandas embrionarias). Comienza así el camino de una banda desde la que se pretende aunar el gusto por la tradicionalidad sureña con la parafernalia gótica.

Año 1996, tras unas cuantas idas y venidas, el grupo se termina por consolidar y se pone en el mercado su primera referencia “Sackcloth 'N' Ashes”. Gracias al single “Black soul choir” parecen alcanzar una cierta notoriedad.

Tras mas de 10 años mostrando sus particular fusión deudora tanto de Jonhy Cash y Dylan como de Ian Curtis, el combo termina por separase en el año 2005. Por el camino, han quedado una serie de trabajos (“Low Estate”, “Secret South”, el directo “Hoarse” y ese pequeña obra maestra que es “Folklore”) en los que el lado tradicionalista acabo por tomar una mayor importancia en la música.

Poco antes de la disolución de los 16 horsepower, Eugene empieza a necesitar un nuevo vehículo en el que reflejar sus ideas, y es ahí cuando nace Woven Hand, con la filosofía típica de proyecto paralelo.

El punto de partida era bastante similar al de la banda madre, decantándose en esta ocasión quizás por unas instrumentaciones un tanto mas luminosas, en las que destacan las incursiones de unos gélidos pianos que dan un carácter mas hipnótico a la música.

Los dos trabajos aquí destacados son, bajo mi punto de vista, dos de los grandes trabajos de esta década; música para escuchar a oscuras, tranquilamente. Aullidos indios, montañas al atardecer, pianos desde el mas allá, religiosidad solemne (David tiene un abuelo predicador al que solía acompañar de pequeño), agua fría fluyendo por la aun mas fría roca, musgo.

Para mí, el nivel de ambos trabajos es bastante similar, aunque he de reconocer mi especial predilección por “Consider The Birds”, donde el nudo central trazado por los temas “Chest of Drawers” y “Oil On Panel” puede llegar a emocionar con esa fuerza solemne de la que tanto gusta nuestro amigo Eugene.

Con una producción un tanto más homogénea, “Mosaic” incide en la línea trazada por su predecesor y temazos oscuros de la talla de “Dirty Blue” o “Deerskin Doll” se alternan con piezas un tanto más luminosas del estilo de la instrumental “Bible And Bird”.

Recomendaría la lectura de la crónica de un concierto de estos Woven Hand en el Festival de Paredes de Coura, donde por causas que no recuerdo el grupo se vio beneficiado por un cambio de horarios y acabo tocando en el escenario principal, al atardecer de lo que parece un día oscuro. Música desconocida por el redactor, acaba totalmente entregado a la propuesta, de lo que a él le parece percibir como “american gothic metal”.

Lineas tangenciales, lineas paralelas: “Sin perdón”, “La noche del cazador”.