Mark Lanegan: “The Journey Is Long” - “So Long Sin City”

Mientras Mark Lanegan sigue con la fase europea de la gira de presentación de Blues Funeral, varias noticias de lanzamientos discográficos se suceden. Dejando a parte el tema de las grabaciones de sus directos y presentaciones promocionales para la radio (a ver si algún día recopilo en una entrada con todos estos bootlegs), esta semana han salido a la luz dos nuevos proyectos:

Para empezar una colaboración de lo más curiosa. Hace un par de años Mark Lanegan cantó un tema para la banda sonora de la película “This is not a movie” en el cual su partenaire era nada más y nada menos que Slash. Efectivamente, estamos hablando del guitarrista del pelo ensortijado y la chistera eterna, que tanto hizo por hacer sentir pasión por el air guitar en los chavales de mi generación.

A priori, dos mundos totalmente opuestos se han cruzado en este “So Long Sin City” y de la colisión se  ha producido un tema crepuscular que recuerda a la solemnidad religiosa de alguna de las colaboraciones con  Soulsavers, pero que gana en fuerza gracias a la furia guitarrera de Slash. Una gozada.

Por otra parte, parece ser que el proyecto de homenaje a Jeffrey Lee Pierce  va a tener continuidad, y tras un maravilloso primer volumen, ahora nos llegan noticias acerca de dos nuevos capítulos. El segundo lanzamiento de este proyecto será lanzado el día 30 de Marzo, mientras que para finales de año podremos disfrutar del volumen final. Como muestra de lo que podremos encontrar en este segundo volumen, se ha adelantado una versión realizada por Mr. Lanegan e Isobel Campbell de “The Breaking Hands” tema perteneciente al disco “Mother Juno” que Gun Club editaron en 1987.

De nuevo una alineación de lujo se reúne para ofrecer sus respectos al líder de Gun Club:

1. City In Pain – Nick Cave

2. I'm Going Upstairs – Hugo Race

3. From Death To Texas – Steve Wynn

4. The Breaking Hands – Mark Lanegan & Isobel Campbell

5. The Jungle Book – The Amber Lights

6. Rose's Blues – Bertrand Cantat, Pascal Humbert, Warren Ellis, Cypress Grove

7. Zonar Roze – Thalia Zedek and Chris Brokaw

8. L.A. County Jail Blues – Cypress Grove

9. I Wanna Be You – Barry Adamson

10. Sonny Boy – Mick Harvey

11. Book Of Love – Vertical Smile (Youth from Killing Joke)

12. Body And Soul – Astro-Unicorn

13. The Brink – Lydia Lunch

14. The Breaking Hands – Nick Cave And Debbie Harry

15. In My Room – Tex Perkins & Lydia Lunch

16. The Jungle Book – Tav Falco & Panther Burns

17. St. Marks Place – Mick Harvey

18. Ain't My Problem Baby – The Jim Jones Revue

Cine 2ª G.M.: Reinhard Heydrich

Unos pocos días husmeando el rastro de Reinhard Heydrich son más que suficientes: me hayo ante uno de los protagonistas mas perversos de la segunda guerra mundial. Y eso es mucho decir.

En mi búsqueda de cine relacionado con la segunda guerra mundial doy con “Conspiracy”, una película producida desde HBO y lanzada directamente para la televisión. En este film, se relata los entresijos de la “Conferencia de Wannsee”, reunión de altos cargos del gobierno alemán en la que se concretaron los aspectos determinantes de la Solución Final.

Muy poca documentación oficial vincula a los nazis con el exterminio de judíos y en esta ocasión únicamente se imprimieron 30 actas de la reunión. Fue en 1947, cuando los aliados encontraron la copia número 16, perteneciente al Dr. Martin Luther, en los Archivos del Ministerio de Relaciones Exteriores Alemán.

Este documento resultó clave en la inculpación de nazis en los juicios de Nuremberg, pero a día de hoy está cuestionado como prueba de cargo por no hacer referencia explicita al asesinato y exterminio de judíos. Mas allá de las consideraciones legales, hay que admitir que aspectos como el desglose de los 11 millones de judíos que habitaban Europa aquellos años ó la fría clasificación de personas en base a su sangre judía, confieren a este  escrito un carácter aterrador.

Entre el elenco de personajes que aparecen en la película rápidamente destaca la figura de Reinhard Heydrich. Kenneth Branagh se decanta por una interpretación que ejemplifica con precisión la ambición e inteligencia del personaje, pero que a su vez, consigue destilar sutilmente esa maldad por la que este hombre se hizo merecedor de  sobrenombres como “el carnicero de Praga” o “la bestia rubia”.

Tras ver la película me sentí intrigado por esa especie de bon vivant del lado oscuro y entre todas las referencias relacionadas con Reinhard que localicé, me decidí a leer el libro “HHhH” de Laurent Binet. Esta novela histórica presenta los aspectos generales de la vida de Heydrich, desde su apesadumbrada niñez hasta su expulsión del ejercito alemán, pasando por supuesto por sus años de vertiginoso ascenso en el escalafón nazi. En el momento de su muerte, Heydrich se encontraba en su momento de máximo esplendor dentro del partido y amparado por esa imagen suya de perfecto alemán (rubio, alto, físico imponente), los rumores acerca de un posible origen judío habían sido silenciados. Su efectivo trabajo en el Protectorado de Bohemia y Moravia (Republica Checa) así como el diseño de la estrategia del Holocausto le permitían incluso soñar con suceder a Hitler el día de mañana.

Con un estilo ágil alejado de los típicos tochos históricos, el principal motor argumental de la novela lo encontramos en el atentado mortal que la resistencia checoslovaca perpetró contra Heydrich en las calles de Praga. Además de revelar datos biográficos de todas las personas relacionadas con este atentado, la novela profundiza en los condicionantes y las consecuencias del mismo, incluyendo incluso amenas y escalofriantes historias tangenciales. Una lectura, que al menos a mí, me resultó de lo más cautivadora.

Por último, no quería dejar de recomendar el documental “El asesinato de Reinhard Heydrich”, en el cuál también se analizan los aspectos relacionados con la “Operación Antropoide” (nombre en clave de la misión de asesinato). La gran cantidad de material audiovisual de archivo presentado constituye un gran atractivo, destacando a mi parecer, todo lo relacionado con el funeral de Heydrich, que pasa por ser el funeral de estado más grande organizado por el gobierno alemán en aquellos años.

Los nazis utilizaron el nombre clave “Aktion Reinhard” para denominar la misión de exterminio de judíos en Polonia. Este fue el último homenaje recibido por Reinhard Heydrich.

Neil Young 1971

Este video, extracto de las grabaciones de un concierto acústico que Neil Young ofreció en el Massey Hall de Toronto en algún punto de 1971, me ha pillado con la guardia baja y una mezcla de perplejidad, emoción y admiración se ha apoderado de mí.

En el momento de su grabación, el emblemático “Harvest” todavía no había salido al mercado, y los asistentes a la actuación seguramente no fueron conscientes de la magia que estaban presenciando, con este mendley de “A Man Needs A Maid” y “Heart Of Gold”.

Han pasado ya muchos años desde que pinché por primera vez el vinilo de “Harvest”  que mis padres tenían medio abandonado en el salón de casa. Desde entonces la figura de Neil Young se ha ido haciendo más y más grande dentro de mí, y su música me ha acompañado en infinidad de ocasiones.

My life is changing
in so many ways
I don't know who
to trust anymore

La música de Mark Lanegan

Por fin, tras casi una década dedicado a colaboraciones varias, Mark Lanegan ha decidido continuar su carrera en solitario. Como le he metido muy pocas escuchas a este “Blues Funeral”, no estoy preparado para emitir un juicio de valor. Mis relaciones con los discos de este hombre suelen ser largas así que no hay razón para tener prisa. De todas formas, me apetece dedicarle una entrada al amigo Mark.

Como buen nerd musical, siempre me han resultado interesantes las entrevistas centradas en analizar las raíces musicales del artista de turno, puesto que son medios perfectos para descubrir referencias. Coincidiendo con las tareas de promoción del reciente lanzamiento, en la web The Quietus retaron a Lanegan a descubrir sus 13 discos más escuchados y éste fue el resultado:

The Gun Club - "Miami" (1982)
Joy Division - "Closer" (1980)
Roxy Music - "Country Life" (1974)
The Bee Gees - "Trafalgar" (1971)
The Flesh Eaters - "A Moment To Pray, A Second To Die" (1981)
Fabrizio de Andre - "Canzoni" (1974)
Kraftwerk - "Radioactivity" (1975)
John Renbourn - "Faro Annie" (1971)
The Leather Nun - "Force Of Habit" (1987)
John Cale - "Paris 1919" (1973)
Crime And The City Solution - "Shine" (1988)
The New Christs - "Distemper" (1989)
New Order - "Low Life" (1985)

Cuando uno piensa en Mark Lanegan, ya sea como frontman en la psicodelia grunge de los Screaming Trees, como cantautor de folk torturado ó como artista invitado de unos Queens of the stone age, pocos serán los que se imaginen un artista que se pasa el día escuchando Bee Gees,  New Order o Kraftwerk.

Sin embargo, no hay que alarmarse demasiado puesto que la causa de esta sorpresiva lista no es otra que la saturación. Lanegan explica que actualmente hay muchos discos, que aunque siendo obras maestras incontestables, ha tenido que dejar de poner debido a un exceso de escuchas a lo largo de los años. Típico síndrome de freak musical.

Una lista mucho más “predecible” es esta que encontré hace unos años, no recuerdo en donde, y en la que se conjugan desde la psicodelia y el underground, hasta el punk crujiente y garajero, pasando por algún insigne cantautor:

Johnny Cash - "Orange Blossom Special" (1965)
The Saints - "Eternally Yours" (1978)
Iggy and the Stooges - "Raw Power" (1973)
Tim Buckley - "Starsailor" (1970)
Angst - "Mending Wall" (1986)
Hüsker Dü - "Zen Arcade" (1984)
AC/DC - "Powerage" (1978)
The Gun Club - "Fire of Love" (1981)
Lou Reed - "Transformer" (1972)
New York Dolls - "Too Much Too Soon" (1974)
13th Floor Elevators - "Easter Everywhere" (1967)
Ramones - "Ramones" (1976)

Entre ambos listados se aprecia una única repetición, The Gun Club, de su ídolo y amigo Jeffrey Lee Pierce. Aún tratándose de discos distintos, ambos forman parte de esa ignición inicial con la que la banda sentó las bases de como se debía hacer sonar el blues desde una perspectiva punk a principios de los ochenta.

En el capítulo de ausencias me ha parecido destacable una mayor profusión en discos psicodélicos, lo cual hace pensar en los hermanos Conner como impulsores del sonido más trípico en Screaming Trees (el delicioso proyecto Microdot Gnome también invita a pensar en esta dirección) ó la ausencia de un número mayor de cantautores que inspirasen su época folk, aquella que durante finales de los 90 desarrolló con maestría de la mano de Mike Johnson (¿alguien sabe qué fue de este hombre?).

Las listas no presentan ninguna referencia posterior a 1989, lo cual no quita para que resulte llamativa la falta de discos relacionados con la marisma musical seateliana de principios de los noventa: parece que en aquellos momentos Lanegan ya se sentía satisfecho escarbando entre sus viejos discos.

Mark Lanegan es uno de mis artistas de cabecera. Es difícil encontrar a día de hoy un músico con una carrera más coherente y ciertamente heterogénea. Músico y amante de la música.

Cine 2ª G.M.: Auswitch

Siguiendo con la revisión del cine relacionado con la segunda guerra mundial, en esta ocasión nos adentramos en los execrables campos de concentración nazis.

“La zona gris”, película de 2001, centra su acción entorno a los últimos días/semanas de vida del decimosegundo Sonderkommando que trabajó en Auswitch Birkenau, y que a la postre protagonizaron el único intento de revuelta a gran escala dentro de dicho campo de concentración. Los componentes de estos grupos de trabajo estaban encargados de las penosas tareas desarrolladas en las cámaras de gas y en los crematorios de cadáveres, si bien es cierto que por ello recibían un trato de privilegio. Era bien sabido entre los habitantes de los Lager que los nazis, con la idea de borrar pruebas, ejecutaban a los componentes de dichos grupos de trabajo tras un periodo difícilmente superior a cuatro meses.

El director/actor de origen judío Tim Blake Nelson, cuya familia fue víctima de la persecución nazi, dirigió este film tras varios años de empecinamiento personal, fascinado por el particular dilema en el que se encontraron los componentes de los Sonderkommandos: instigar la matanza ó morir.

El filme consigue generar un aura totalmente áspera y realista que sin concesiones presenta un conjunto de hombres asolados, sobriamente interpretados por actores de la talla de Steve Buscemi, Harvey Keitel (que además de actor, ejerce tareas de producción) ó Allan Corduner, que se encarga de dar vida al Dr. Miklós Nyiszli, ayudante de Mengele en el campo de Auswitch y cuyo libro,  reflejando las experiencias de aquellos años,  pasa por ser el principal leitmotiv del film.

Tras acabar con la película, una sensación de pesadumbre y muchas preguntas se apoderaron de mí. Debido a ello, decidí profundizar más en el tema, y que mejor manera de hacerlo que rebuscando entre los autores referenciados por Tim Blake Nelson. Es por ello que decidí abrir las páginas del libro “Si esto es un hombre”.

Primo Levi era un joven italiano licenciado en química cuyas ideas antifascistas y su origen judío le provocaron el confinamiento en el campo de concentración de Monowice, dentro del complejo de Auschwitz. Su estancia duró menos de un año, y tras al liberación del campo el 27 de Enero de 1945 Primo consiguió volver a Italia, donde escribió una serie de novelas basadas en su experiencia.

Si algo hay que reconocerle a los nazis, es su estupenda gestión de los aspectos relativos a la propaganda. Conscientes de la importancia de evitar que las atrocidades desarrolladas llegasen a la opinión pública, existe poca documentación “oficial” de lo sucedido y ello provoca que este tipo de testimonios sean altamente relevantes.

Alejado del victimismo, Primo Levi relata desde un punto de vista sereno e incluso frío, las características de la vida en el Lager, detallando aspectos organizativos, la falta de identidad (sin pelo, sin nombre, ser solamente un número tatuado sobre la piel), las vestimentas, las jerarquías y en general, la estructura social que surge en situaciones tan extremas.

Mientras leía el libro de Levi llegó a mis oídos la existencia de un documental francés filmado en 1955, que bajo el nombre de “Noche y niebla” recoge una selección de escaso material de archivo recaudado a los nazis, mostrando espeluznantes imágenes de campos de concentración mezcladas con un bello fondo sonoro y las poéticas palabras de Jean Cayrol (antiguo recluso de Mauthausen). De nuevo, un tono sereno para tratar de explicar una barbarie que nunca podremos comprender. Sin duda alguna, un gran documental que ayuda a poner imagen al texto de Levi.

“Arbeit macht frei” (El trabajo os hará libres) rezaba el cartel que cubría la entrada al Lager de Auswitch. Este extraño e irónico mensaje, que conviene tener muy presente en nuestros días, pretendía (y conseguía) la colaboración dócil de los individuos allí alojados, que en ocasiones ni alcanzaban a comprender la realidad que les había tocado vivir: el ser humano había alcanzado su mayor alto de degeneración diseñando un modo de vida cruento en auténticas factorías de muerte.

Over the Edge y Cheap Trick

Revisando los numerosos archivos que ocupan espacio en mi disco duro me topé con esta “Over the Edge”. A diferencia de otras ocasiones, no tardé en recordar por qué había decidido hacerme con esta película: era una de las preferidas de Kurt Cobain.

La película arranca con una voz en off “Bienvenidos a Nueva Granada, la ciudad del mañana…Hoy”, a modo de presentación de lo que se supone es una población idílica. En contraposición a esta paz surge de la nada el estruendo guitarrero de Cheap Trick y la algarabía de un centro de recreo juvenil, lo cual provoca que olvidemos las solemnes palabras introductorias mientras una sensación de nerviosismo nos agita: tanto caos, tanta juventud… no puede deparar nada bueno.
Aspectos como la incomunicación, la soledad, la incertidumbre, la rabia ante situaciones injustas o la ilusión de las primeras relaciones sexuales han sido mostrados en innumerables ocasiones en las pantallas de los cines. Sin embargo, hay algo en ese exceso de nihilismo tan inocente que se desprende en esta fantasía homicida que hacen de ella un producto referencial, una de esas obras denominadas “de culto”, de la que podemos encontrar rastros en posteriores abrasiones adolescentes como “Kids” (Larry Clark, 1995) o “Gummo” (Harmony Korine, 1997).
Independientemente de la calidad que cada uno podamos percibir del film, resulta interesante pararse a saborear pequeños detalles como la actuación de un Matt Dillon debutante, que desde el primer momento desprende un aura magnética o la extraña presencia del personaje secundario Johnny, que con ese look de melena rubia y gafas chillonas parece un pequeño Kurt Cobain (¿casualidad?).
No obstante, el aspecto más llamativo para un fanático de la música como yo, resulta ser esa banda sonora en la que entre las maravillosas de Van Halen o los Ramones, destacan  las múltiples apariciones de Cheap Trick.
Dándole vueltas a este 2011, me he dado cuenta de que precisamente la banda de Rockford ha sido una de las que más me han acompañado a lo largo del año, puesto que tuve que hacer los deberes de cara a su actuación en el Azkena. Siendo sinceros, el concierto me dejó un tanto frío debido a un setlist con demasiadas incógnitas, pero eso no va a cambiar mi opinión acerca de los excelentes temas que conforman su trilogía inicial. Curiosamente, en “Over the Edge”  encontramos referencias de cada uno de estos discos.
Como ya hemos explicado, la película arranca con el juguetón “Speak Now or Forever Hold Your Peace” del disco “Cheap Trick” editado en 1977. El debut de la banda fue contemporáneo al estallido del Punk, género respecto al cual no se queda atrás en cuestión de energía, sensación reforzada por la producción cruda y tosca. Desde el principio, la banda pone sobre el tapete todas sus cartas y entrega grandes gemas de pop rockerizado mezclado con esa locura marca de la casa. Un punto de partida espectacular, en el que a mí siempre me ha encantado el tema “Taxman, Mr. Thief”, con ese ritmo arrastrado y la voz de Robin Zander haciendo maravillas hasta conducirnos al éxtasis final con esa demostración de fuerza.

El film continúa, y mientras vemos como dos chavaletes centran sus fechorías en un coche de policía, vuelve a aparecer la música de Cheap Trick. En concreto es “Hello There” lo que podemos escuchar es lo  más agitado de su segundo disco “In Color”, también editado en 1977. Rick Nielsen y compañía entran al estudio acompañados por Tom Werman a los mandos de la producción y el resultado es un disco menos crudo, que aún conservando parte de la energía rockera destaca sobre todo por esas mágicas melodías que tan bien se puede apreciar y disfrutar en temas como “Southern Girls”, “Downed” o la célebre “I Want You To Want Me”.
La última aparición de la banda en el film (hay otro tema acreditado, pero no lo localicé) se trata del gran himno “Surrender”, perteneciente a su tercera obra “Heaven Tonight” (1978). Considerado por muchos su álbum de mayor alcance, en esta ocasión Tom Werman parece dar con la clave, y consigue dotar de profundidad a una producción que completa con detalles preciosistas las melodías y los guitarrazos.

A día de hoy resulta difícil hacerse una imagen real de la acogida que en su día tuvieron estos discos. ¿Será cierto que esta panda de freaks consiguió calar hondo entre los individuos mas enajenados de la juventud de finales de los setenta? Cheap Trick podrían pasar perfectamente como música de fondo en cualquier parrillada cowboy o incluso en esos típicos parques de caravanas ocupados típicamente por chusma subdesarrollada, pero sin embargo su influencia ha sido reconocida por artistas de la talla de Kurt Cobain, Black Francis o los hermanos McDonalds. Ello hace pensar en una sensibilidad y cualidades especiales y quizás tras esa fachada surrealista Cheap Trick lo que representen no sea otra cosa que la sofisticación del  White Trash.

Black Metal III (Alda, Ash Borer)

Este  2011 que acaba ha sido definitivamente el año de mi entrada en el Black Metal. Cierto es que ya lo había intentado antes, y que hace muchísimos años ya tuve alguna fase obsesiva con Cradle Of Filth… pero no es lo mismo.

Obviamente, no soy un caso único en el mundo, y parece que las nuevas propuestas del género han conseguido calar en ambientes a priori poco propicios para ello. De esta forma, podemos ver como  portales web como Pitchfork recogen varias bandas black en su listado de lo mejor del año, o como un festival tan  típicamente moderno como es el Primavera Sound ha abierto sus puertas al género, dejando a más de uno boquiabierto. El máximo exponente de esta aceptación global es esa especie de ensayo/coartada psicológica sobre el que se disertó en las páginas del New York Times hace ya un tiempo.

Son muchas las horas que le he dedicado este año al Black Metal, bien sea leyendo artículos  y libros, viendo documentales y clips o, por supuesto, escuchando mucha música. En esta tercera entrada dedicada al género voy a hablar de dos discos editados en este 2011, y que me han absorbido la mollera totalmente:

Alda – Tahoma: Este “Tahoma”, editado a principios de 2011, es una forma perfecta para introducirse en el últimamente tan celebrado Cascadian Black Metal. Con una profusión de melodías y ambientes acústicos/folkies poco frecuentes en el género, esta banda oriunda de Tacoma encuentra su inspiración en las viejas bandas escandinavas como Ulver, Darkthrone ó Burzum y sobre todo en ese maravilloso “The Mantle” de Agalloch, dando lugar a un artefacto musical en el que son capaces de transmitir esas inquietudes suyas por aspectos como la naturaleza, la dificultad y la soledad de la vida en las grandes ciudades, la búsqueda de la comunión entre personas, etc (muy recomendable al respecto su entrevista en cvltnation).

Es tal la evocación de la naturaleza que me provoca este álbum que no puedo dejar de recomendaros la experiencia de dar un largo paseo por cualquier entorno natural que  tengáis a mano con esto enchufado en los cascos,… pura abstracción y belleza.

Hasta ahora, la única edición que se le conoce al disco es en casete, formato que parece estar tomando fuerza desde el underground. No obstante, el ripeo que he podido obtener tiene calidad y no olvidemos que estamos hablando de Black Metal, no nos vamos a poner demasiado exigentes con estas cosas.

Ash Borer – Ash Borer: El Barrenador verde esmeralda (Agrilus planipennis, Ash Borer en inglés), es  un escarabajo nativo de Asia. En Junio del 2002, se detectaron en tierras estadounidenses los primeros especímenes de esta especie. Se sospecha que sobrevivieron a un viaje transoceánico, dentro de unos conteiners. Las larvas del Barrenador se instalan en la corteza de los fresnos, desde donde comienzan a horadar y bloquean la capacidad de los mismos para proveerse de alimento y agua.  A día de hoy, se estima que entre 50 y 100 millones de fresnos han sido víctimas de esta devastadora plaga. Como podéis ver, Ash Borer también tienen la  naturaleza presente, pero no cabe duda que de un modo menos evocador.

El origen de esta banda data del año 2008, momento en el cual este  este grupo de oriundos de Arcata, California, decidieron poner en marcha su maquinaria de destrucción. Tras una demo editada en 2009, es a principios de este 2011 cuando se presenta el debut homónimo de la banda (de nuevo, disponible en edición casete), que les ha supuesto recibir todo tipo de parabienes y críticas positivas.

Máximos exponentes del USBM,  ese nuevo Black Metal que se está fraguando en los Estados Unidos, este disco está conformado por tres largos temas repletos de rabia, suciedad y angustia, que aún presentando las típicas atmósferas envolventes que podemos observar en tantas otras bandas (Wolves In The Throne Room ó los mismo Alda), parece querer evolucionar hacia una fusión del Black con los aspectos mas rabiosos y contundentes de géneros como el Hardcore y derivados.

Pocas demostraciones de fuego y caos han llegado a ser tan efectivas en este 2011, totalmente recomendado.